畫傢之眼：像藝術傢一樣思考觀察,從題材到技法,淬鍊風格與心法的13堂課(三版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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原文作者： Andrew Loomis

圖書標籤:

• 繪畫
• 藝術
• 觀察
• 技法
• 風格
• 藝術思考
• 繪畫技巧
• 藝術教育
• 創作
• 審美

　　達文西的透視法、林布蘭的光綫、塞尚的形體、梵榖的色彩……
　　畫傢用一雙不尋常的眼睛，觀看眼前的世界。
　　即使世界是荒蕪一片的沙漠，畫傢仍能從中找到美的路徑。

　　12項繪畫原則×61幅經典畫作×17張圖解分析
　　水彩名傢簡忠威——專文解說

　　培養畫傢之眼，12項美的要素大揭密

　　本書是路米斯繪畫觀念的集大成之作，蒐羅12項繪畫原則、61幅經典畫作，與作者自製17張圖解分析，綜閤以上，就是剖析「美」的解方。路米斯不隻是一位繪畫大師，更是傑齣的藝術教育傢。正因為他善於引導讀者思辯，因此他的畫作、教材與教誨，都深受讀者喜愛，並影響著近三分之二個世紀的習畫者與畫傢，即便是不懂得作畫的藝術愛好者，也能從中獲得啓發。
　　
　　達文西說：「繪畫不是復製眼前一切，卻對它一無所知。」本書嚮讀者揭示「眼前所見，要比你所知更多」，書中核心的12項繪畫原則，即是古今內外每位繪畫大師追尋美的曆程，更是鍛鍊「畫傢之眼」的內功心法。讀者可以在本書中學習：從觀看生活，到藝術創作；從欣賞藝術，到美學追求。　
　　
　　◎什麼樣的畫，纔算得上是好畫作
　　能夠取悅你的畫，就是好畫作，而美就是令人愉悅的最重要因素。畫傢在生活周遭追尋美的可能，並以繪畫技巧把美錶現齣來。這個過程令畫傢愉悅，而這個過程結束後的畫作，能使大眾愉快不以。因此，學會以「畫傢之眼」看待事物，是追尋美的第一步。
　　
　　◎熟稔「繪畫的原則」，美纔能俯拾皆是
　　題材之所以難找，是因為觀看的角度太少。作者羅列12項繪畫的原則，從「統閤感」開始說起，循序漸進地告訴讀者，如何從眼前所見的畫麵觀察取材，如何「簡潔」主題，並且「設計」齣令人怦然心動的比例構圖。如何調和「色彩」與「韻律」。「繪畫的原則」即是「美的要素」。
　　
　　◎將「眼睛」、「手」、「畫紙」閤為一體，畫傢的寫生獨門技法
　　如果要追求作品的極緻美感、統閤感與巧思，畫齣令人贊嘆不已的畫作。畫傢必須從各種麵嚮研究主題。但最重要的，是先從「塊麵明度」與「色彩」兩者齣發，將所見畫麵編排設計，將「眼睛」、「手」、「畫紙」閤為一體。作者告訴你，寫生最重要的是如何簡化主題，並將眼前所見統閤為一，纔能畫齣傑作。
　　
　　◎內涵和美，從「好看的畫作」提升至「美的畫作」
　　美是一股情感力量，畫傢可以從各種地方找到美。但為什麼一般大眾卻力不從心呢？那是因為我們混淆「好看」與「美」兩者。美的畫作有深度內涵，即便從景象單一的環境中，也能找到美的存在；而好看的畫作通常沒有真正深入或終於自然。畫傢為瞭畫齣美的畫作，終其一生研究眼前所見的真實。
　　
　　◎技法即是風格，無法復製
　　習畫者如果要更進一步淬煉齣個人風格，必須先熟練繪畫基本功。畫傢的技法即是風格，隻能由畫傢本人創造，無法從他人那復製。必須先學會如何觀察，培養你的「畫傢之眼」。作畫的睏難之處，就是忘記觀察的力量，每位畫傢所知道的一切，都從自己的積極努力而來，從實作中找答案。
　　
　　「如果你畫手時遇到睏難，你總是能找到最好的老師，那就是你自己的手。」
　　
　　本書不同於一般藝術史著述，以繪畫大師的角度齣發，不隻提供讀者觀看的方法、藝術的知識，更催化讀者的創造力。即便不舉起相機、不拿起畫筆，眼前所及之處，創作與美俯拾皆是。
　　
本書特色
　　
　　★富知識性但極易閱讀，提供技術指引，也啓發對美學意義的探索。
　　★以12項繪畫原則為章節，一步一步帶領讀者領略繪畫奧義。
　　★蒐集61幅經典畫作，帶領讀者運用原則，解讀維梅爾、林布蘭、莫內、梵榖、馬諦斯等大師作品。
　　★路米斯自製17張圖解分析，深入解析寫生、設計、比例等觀念。
 

好的，這裏為您提供一份關於《畫傢之眼：像藝術傢一樣思考觀察，從題材到技法，淬鍊風格與心法的13堂課（三版）》一書的詳細圖書簡介，這份簡介將專注於介紹該書的主題、結構、核心理念以及對讀者的價值，但不包含書本的具體章節內容、練習或案例分析。 --- 圖書簡介：淬煉藝術思維的深度指南 書名：畫傢之眼：像藝術傢一樣思考觀察，從題材到技法，淬鍊風格與心法的13堂課（三版） 【核心主題：超越描繪，探尋看見的藝術】 這是一本旨在引領讀者深入探索藝術創作核心的深度指南。它並非一本基礎的繪畫技巧手冊，而更側重於構建一套完整的“藝術傢思維框架”。本書的核心理念在於，真正的藝術創作，始於對世界的獨特觀察與深刻理解。它探討的不是“如何畫齣什麼”，而是“如何去‘看’世界，並將其內化為自己的錶達語言”。 本書構建瞭一個係統的學習路徑，旨在幫助有誌於提升藝術視野和創作深度的學習者，從根本上轉變其觀察與思考模式。它將“觀察”提升至一種主動的、審視性的行為，鼓勵讀者打破習以為常的視覺慣性，深入探究對象背後的結構、光影、情緒與敘事潛力。 【結構與視角：從感知到錶達的完整旅程】 全書圍繞“思考”與“觀察”展開，結構嚴謹且富有邏輯性，帶領讀者完成從基礎感知到風格確立的蛻變過程。它建立在這樣一個認識之上：藝術傢的風格並非憑空産生，而是長年纍月對題材的深耕、對技法的磨礪以及對內心世界的誠實探索的必然結果。 該書的敘事視角是高度實踐導嚮的，它將理論與創作實踐緊密結閤，但側重點在於“心法”的傳授——即藝術傢如何在創作過程中進行決策、取捨與錶達的內在邏輯。它引導讀者學會係統性地解構視覺信息，並在此基礎上進行重組與升華，確保每一次的落筆都有明確的意圖與思想支撐。 【核心理念闡釋：風格的深度根源】 本書深入探討瞭藝術風格的形成機製。風格被視為藝術傢個體經驗、世界觀、情感傾嚮與技術熟練度的綜閤體現。它摒棄瞭將風格簡單等同於某種視覺標簽的膚淺理解，轉而強調風格是內在驅動力外顯的結果。 書中對“題材”的探討，超越瞭簡單的“畫什麼”的層麵，而深入到“為什麼選擇這個題材”以及“如何通過這個題材錶達我的觀點”的層麵。它鼓勵創作者尋找真正觸動自己的主題，並將這些主題作為貫穿創作始終的綫索。 在“技法”層麵，本書強調技法是為錶達服務的工具，而非束縛創意的枷鎖。它主張對各種錶現手段（無論傳統或現代）進行批判性的學習和實驗，從而找到最能精準傳達內心聲音的媒介與方法。 【對讀者的價值：超越模仿的獨立思考】 本書的最終目標是培養讀者獨立思考和自我修正的能力。它提供的不是一套固定的“配方”，而是一套可供終身使用的思維工具箱。 對於渴望突破瓶頸的創作者而言，本書提供瞭深入剖析自身創作盲點的視角。它促使學習者反思：我的“眼睛”是否真的在觀察？我的“手”是否理解瞭我的“心”？ 通過係統的引導，讀者將學會如何將外部世界的紛繁復雜轉化為有序、有意義的視覺語言。它旨在幫助藝術傢建立起一個強大的內在批判體係，使他們在麵對創作難題時，不再依賴外部指導，而是能夠依靠自身的洞察力與沉澱的經驗做齣最恰當的判斷。 【總結：藝術道路上的堅實夥伴】 《畫傢之眼：像藝術傢一樣思考觀察，從題材到技法，淬鍊風格與心法的13堂課（三版）》是一本獻給所有認真對待藝術道路的實踐者的重要參考書。它承諾的不是即時的“速成”，而是一段深刻的、關於“看見”與“錶達”的自我發現之旅。它提供瞭一種紮根於深刻理解與持續反思的創作哲學，是引領創作者邁嚮成熟與獨特藝術生命力的堅實夥伴。 ---

作者簡介

安德魯‧路米斯Andrew Loomis

　　美國實力派插畫大師，同時也是知名美術教育傢。1892年生於紐約，1911年就讀紐約藝術學生聯盟，師從藝用解剖學權威喬治‧伯裏曼（George Bridgman）。1930年代起，路米斯在芝加哥開始瞭他的繪畫教學之路。

　　路米斯一係列素描教學與繪畫論述深受讀者喜愛，影響著近三分之二個世紀的習畫者。《畫傢之眼》在路米斯辭世兩年後纔集結齣版，是路米斯繪畫觀念的集大成之作。美國漫畫大師亞力剋斯‧羅斯（Alex Ross）贊譽：「我全部的繪畫技法和我畫的超級英雄，都應該歸功於路米斯的天纔著作。」

　　主要著作有：《人體素描聖經》、《素描的原點》、《素描的樂趣》、《創意插畫聖經》等。

譯者簡介

陳琇玲

　　美國密蘇裏大學工管碩士，曾任大學講師、參與軟體中文化及影片翻譯、Alcatel Telecom主任稽核師。榮獲全國模範勞工及金書奬，現為自由譯者，閑暇學畫自娛。

　　重要譯作包括：《畫齣心中所見》、《藝術精神》、《非典型力量》、《贏傢》、《預測分析時代》等。

推薦人簡介

簡忠威

　　齣生基隆。輔仁大學應用美術係畢業，颱灣師範大學美術研究所西畫創作碩士，現任玄奘大學榮譽客座副教授。為首位入圍美國水彩畫協會AWS國際年展的颱灣水彩畫傢，2014年獲選為美國全國水彩畫協會NWS的署名會員。
 

前言　藝術的起源與美的追尋

Chapter1　透過畫傢的眼睛去觀察
以畫麵的觀點觀察
好畫作的首要法則
測量視綫範圍
訓練眼睛觀察三維物體
畫麵即結果
畫麵編排與分群
觀察個體與眾不同的特徵

Chapter2　該畫什麼？
為自由創作做準備
如何尋找繪畫主題？
最具「說服力」的具象錶現
抽象構圖的實驗方法
隨時留意好題材
好看的作品vs.美的作品

Chapter3　統閤感
使畫麵産生關係與平衡
好畫作具備「一緻性」
恰到好處的創作

Chapter4　簡潔及如何化繁為簡
在小草圖中展現主題
簡化眼前所見，或挑選簡單的主題
整體與焦點
化繁為簡的方法

Chapter5　設計
設計的用意
主題的處理可能比主題本身更重要
為觀眾設計一條觀看的路徑
布局是吸引目光的絕佳武器
情緒震撼力：每樣事物都會帶來感受
「設計」比構想或主題更為重要

Chapter6　比例
畫傢創造的比例
描繪vs.繪圖
比例的錶現性：使觀眾耳目一新
事實協助我們理解更廣大的事實

Chapter7　色彩
用三原色達到美的極緻
實驗色彩的方法
色彩協調是畫作成功的關鍵
特彆注意：陰影的顔色
光與色彩的關係
用色彩形成焦點

Chapter8　韻律
找齣綫條的主要方嚮
明度與色彩的韻律
韻律來自情感，情感産生力量

Chapter9　形體
寫實的形體vs.變形的形體
如何觀看形體？
形體的理想化

Chapter10　質感　
質感的暗示
個人品味的養成

Chapter11　光的明暗
栩栩如生的祕密
特彆注意：陰影裏的反射光
亮部與陰影之間
獵光

Chapter12　主題之美
感動即為藝術之本
尋找、發現、創造
以展現美為目標

Chapter13　技法
技法即風格：隻能創造，無法復製
利用筆觸構成形體
基本功的難題
每種技法都獨一無二
為自己找到創作的答案

解說　透過畫傢之眼，探索美
 

前言

藝術的起源與美的追尋(節錄)

　　▎畫傢的詮釋能力

　　在尋找繪畫主題時，我們可能跳脫自然，隻專注於形體、質感或色彩之美。我們在單純的幾何形狀與空間裏，就能發現美；在創造錶麵、平麵和抽象形式時，也能找到美。因此，我們必須拓寬眼界，要是我們選擇以抽象風格創作，我們仍舊會發現，美纔是我們追求的極緻目標。與其花時間譴責我們不認同的事，倒不如全心創作並盡情享受創作的自由。我們認為事情該怎麼做，就要知行閤一，並給予他人在錶現上有同樣的自由。受人景仰的藝術一定是個人的獨特錶現，也一定饒富創意。寫實主義（realism，亦譯為現實主義）也能在挑選主題和錶現主題上發揮創意（⊕1），因為那是畫傢個人所見與感受。你畫的題材是否存在於現實世界裏，根本無關緊要。不管是用印象派的觀點來概括創作，或是用忠於寫實的方式來刻畫細節，都能完成一件藝術創作（⊕2、⊕3）。主題不能跟畫作畫上等號，畫傢的詮釋方式纔是藝術創作成敗的關鍵。抽象藝術和寫實藝術隻是繪畫手法的兩種不同形式，誰也不能說哪一種形式更勝一籌。

　　藝術總會有自己的趨勢，而這些趨勢就由當時最傑齣的畫傢引領風潮。但是，創造力這個鍾擺從未停止擺動，因為每個人是用自己與眾不同的雙眼去觀看，用自己獨一無二的頭腦去思考。每個人的感受力不同，也不會因為環境産生同樣的激勵和影響。事實上，不可能有兩個人能從零開始畫齣一模一樣的畫。

　　現在，畫壇似乎興起一股風潮，畫傢不注重傳統訓練，而講究即興式的創意錶現。以往大師們願意研究和獲取知識，現在大傢卻強烈渴望這種即興創作。因此，我們看到許多作品齣自缺乏學院知識的素人，還有一些作品則是人們努力畫齣自身感受，而非雙眼所見。人們有權利以這種方式錶現自己，這一點我們無法否認。畢竟，從情感的觀點來創作，也很有可能創作齣美的作品。其實，以美的要素來說，就算缺少其中一項，還是可能由另一項彌補。大傢都知道，許多美術科班生和專業畫傢的作品，並未錶現齣絲毫情感，根本無法稱為藝術創作。這類作品可能平庸刻闆，整體來說既沒有靈魂也缺乏原創性。

　　▎具象？或抽象？

　　不過，跟經驗老到的寫實派畫傢相比，不具備學院訓練的抽象派畫傢，確實在繪畫上更需排除萬難。這類畫傢的情況就好像對木工一竅不通，卻野心勃勃想蓋齣一棟房子。由於所有知識都是憑藉畫傢本身的技巧和從實驗中取得，所以畫傢還要麵臨可能被徹底誤解的危險。因此，畫傢必須以非凡的創意，彌補本身技法的缺失，但是欠缺技法知識，其實很快會露齣馬腳。

　　據我所知，目前並沒有跟素描、明暗、色彩或形式錶現有關的基本知識與訓練，教導人們如何成為抽象派畫傢。我建議想要以抽象畫為創作主軸的年輕畫傢，應該跟具象畫傢一樣，必須以深厚的技法為基礎。畢卡索（Pablo Picasso）和許多現代畫傢的例子就是有力的證明。學畫的學子們可以先打好基本功，再選擇走抽象畫這個領域，先掌握好抽象畫麵的統閤感和秩序感，最後再錶現齣真正藝術創作所應具備的美感。

　　畫傢幾乎不可能在開創事業生涯初期就決定好，自己想要從事哪種類型的繪畫創作，況且這樣做並不明智。畫傢應該取得足夠的知識和訓練，夠資格選擇要走具象繪畫或抽象繪畫時再做決定。有些人認為，畫傢在經驗豐富和技巧熟練後，不管是選擇具象繪畫或抽象繪畫，其中一種風格就隻是另一種風格淬鍊的成果。因此，畫傢必須耐住性子，讓自己的創作依據本身的能力與品味自然發展。

　　▎美取決於感官

　　現在，我們到畫廊看畫展時必須理解這一點：許多畫作不是為瞭銷售而展齣，隻是為瞭教育大眾瞭解藝術新概念而展齣。目前，我們還無法判斷這種教育方式的成效如何，我們甚至不知道這樣做值不值得。但是，如果觀眾能記住，由現代畫傢創作的這些作品，有許多帶有實驗性質而非理想畫作，那麼觀眾就可能以更開放的態度看待現代藝術。我自己的看法是，唯有本身富含美感、有真纔實學的作品，無須前衛畫評傢的誇張解說，就能受到世人的肯定，也經得起時間的考驗。當然，人們可以、也應該經由教導而接受新概念，但是歸根究柢來說，美取決於感官，而非理智。

　　我能提供年輕畫傢的最穩當忠告就是：先把繪畫技法學好，持續不斷地探索美，並研究錶現美的新方法，強化本身的內在信念，讓個人風格逐漸形成，而且不受任何先入為主的成見影響（例如：彆人認為你該怎麼畫），也不被畫評傢可能做齣的評價所阻礙。

　　我希望，如果我讓你相信美仍然是、也始終是藝術的泉源，那麼我們現在就能把注意力轉移到美的「成因」。或許誰也無法對美提齣一個完整的定義，但我們確實開始瞭解到，無論在何時或何地發現美，美都是由某些要素所組成。認識這些要素並學習如何將其派上用場，就能讓我們晉身為成功畫傢的可能性大增。

　　美的要素彼此其實密不可分，通常很難逐一區彆分析。在討論其中一項要素時，可能必須同時提到另一項或另外幾項要素。盡管如此，我們還是應該抱持審慎態度，設法逐一探討美的要素。

　　▎美的十二項基本要素

　　統閤感(unity) ：這種「一體性」將畫麵所有特質結閤成單一錶現或整體錶現，意即將設計、色彩、綫條、明暗、質感和主題巧妙安排，結閤為一種全麵性的錶現。

　　簡潔（simplicity）或清晰（clarity）：把跟主要構想無關的所有素材和細節變成次要，將主題簡化為最基本的設計、形式與圖案。

　　設計（design）：意指塊麵、形式與色彩的整體關係。畫麵就是由設計創造齣來的。

　　比例（proportion）：意指畫麵中各個主題與各個部分的協調關係。比例失真（distortion）就不協調，不過某些失真或許是閤理的，因為畫傢可能想要強調某個構想或情感。

　　色彩（color）：這是美的要素中，最有影響力的要素之一，而且在使用這項要素時，畫傢不能隻以品味和好惡為準則，還必須瞭解色彩與明度的關係，以及創造寫實與協調效果的基本調色原理。

　　韻律（rhythm）：也可稱為節奏，雖然這項要素常被輕忽或誤解，卻對畫作美感有極大的貢獻。所有生物和非生物都有韻律，從最微小的形體到宇宙的循環無一例外。沒有韻律，形體就靜止不動，也毫無生氣。如同自然界的運作，相近色或綫條的重復，或是形狀漸進擴大或縮小，都能為畫作創造韻律。舉例來說，我們可以從樹木本身枝椏和樹葉的重復綫條找到韻律，也能從斑馬背上的綫條，或花瓣和花朵紋路的綫條發現韻律。

　　形體（form）：形體結構與整體的關係是一項基本藝術原理。萬物存在的樣態，不外乎形體或空間的實（solid）與虛（void），而且兩者不可或缺，無法獨自存在。當畫作中的物體形狀經過巧妙地描繪和組閤，並與開放區域形成適當的對比，譬如樹與天空形成的對比，就會讓畫作具有「形體」。

　　質感（texture）：意指對於錶麵的描繪。所有形體都有其錶麵特徵，這一點就跟本身形體結構一樣重要。以同樣的錶麵特徵描繪所有形體，就好像所有事物是由同樣的材質組成，這樣當然不可能畫齣真正的美。而這正是許多平庸之作常犯的毛病。

　　明度（value）：明度和色彩，兩者密不可分。要畫齣美，兩者缺一不可。適當的明度關係能為畫麵創造光感並增添統閤感。不正確的明度關係就會對畫麵美感，造成最大的破壞。

　　光感（quality of light）：這項要素最重要不過，畫作中的光感跟實際照射於畫麵上的光綫融閤，成為整張畫作的一部分。光有許多種，室內光、室外光、陽光、漫射光和反射光。光源必須跟形體的塑造、色彩的性質與明度、以及質感有關。如果畫傢沒有真正理解光的原理，畫作就可能隻是顔料在畫布（畫紙）上的平麵描繪，無法創造齣畫麵的空間感。

　　主題的選擇（choose of subject）：這項要素提供畫傢大好機會，充分發揮個人品味。畫傢可以從生活和大自然中，找到數不清的主題，從中挑選、設計和創造齣自己專注的主題，展現本身對美的鑑賞力。

　　技法（technique）：意指錶現的方式而非錶現本身。技法包括對於物體錶麵和質感的理解，以及對媒材及媒材應用之諸多方法的認識。技法是結閤其他美的要素所做的個人錶現。

　　以上針對本書內容所做的概述，應該可以幫助大傢對美先建立共識。我當然無意拿自己或個人作品，作為解決畫傢問題的好榜樣。但我確實想要強調：「不論是專業畫傢或業餘畫傢，每位畫傢都應該認清自己的職責為何。」我再三強調此事的原因是，藝術創作沒有單一形式或單一公式可言。但是，當我們發現美的構成要素，也知道這些要素能在生活中創造美，那麼我們就可以設法將這些要素分析應用，創作齣富含美感的畫作。美並非畫傢的特殊資産，就算是不懂美、也無法重新創造美的人，也能發現美。愛好動物者和畫傢都能發現動物的韻律和優雅。其中的差彆在於，畫傢設法以綫條和比例的觀點，找齣形成這種韻律與優雅的條件，讓本身的描繪能貼近真實並具有說服力。

　　▎善用創造力與想像力

　　畫傢會盡其所能，努力取悅觀眾，而非取悅畫評傢，因為觀眾纔是花錢買畫的收藏傢。我認為大多數畫傢都對銷售個人畫作有興趣。雖然大傢都知道，畫傢飽受畫商剝削，但畫作的價值通常被畫商炒到天價。而且在大多數情況下，畫傢本身根本無法長命百歲，享受畫價飆漲帶來的驚人財富。現在，好的藝術作品不怕沒有好行情，在商業領域和「美術」領域都可以找到好買傢。以往，展覽型作品很少從插圖、廣告和其他商業實務中獲得財務報酬。但幸運的是，現在我們邁入的這個階段，最優秀的藝術常被用於商業用途。現在，産業界為美術作品提供一個新通路。努力讓作品臻至完美的畫傢不再像以往那樣，被市場認為高不可攀。

　　雖然商業導嚮的畫傢還必須受製於購買機構或最終使用者製定的條件，但現在這類限製已大幅放寬，展覽型作品也被廣泛應用到許多廣告和宣傳活動中。

　　在彩色攝影進入商業領域的輔助下，這股發展已經逐漸成形。當廣告産品必須強調準確的細節時，廣告業主自然會改用攝影技巧，而且也可能在某段時間內都這樣做。但是，在並無有形産品可供描繪時，譬如要幫保險、服務、産業聲譽和機構做廣告時，就是美術作品可以一展長纔的市場。雜誌插圖繼續為畫傢提供一個市場，有部分原因是使用畫作有助於將小說和紀實報導做區彆。至於紀實報導，通常就以照片來佐證內文。

　　畫傢試圖精確描繪細節，畫到跟照片一樣逼真，這樣做簡直愚蠢至極。畫傢該做的是，善用本身的創造力和想像力，投注心力在設計上。就算畫傢使用相機拍攝繪畫題材，還是應全神貫注於相機無法做到的事，比方說：畫傢可以將題材某些部分弱化或剔除，進行設計和重新編排，簡化並利用其他手法，更強有力地錶達本身的理念。

　　專業畫傢應該竭盡所能透過藝術學院和藝術課程，或從其他可用資源，讓自己接受完整的訓練，為自己的事業生涯做好準備。畫傢若是以為不必接受任何訓練，就能靠繪畫維生，那就大錯特錯。事實上，我們經常在畫展中看到一些畫作，既沒有展現畫傢的天分、知識或能力，也讓我們確信自己的畫並不差，甚至比展齣的畫作更勝一籌。但是，這些狀況跟我在此強調的重點無關。現在，我們在畫展看到的大多數作品，可能都乏人問津，賺不瞭多少錢。

　　藝術的進步與發展，始終是由個人進步與發展所推動。個彆畫傢能對其他畫傢的幫助有限，卻能讓世人注意到，畫傢經過一段時間的努力，發現哪些事實是有道理的。畫傢可以指齣自己發現哪些關係是存在的，也可以讓大傢知道如何運用色彩調齣一定的效果，善用明度能讓主題統閤有序。這就是我撰寫本書的宗旨。如果這本書能讓繪畫初學者明白一些繪畫的「方法」和「原因」，那麼我寫這本書的最主要目的也就達成瞭。

解說

透過畫傢之眼，探索美
國際水彩名傢 簡忠威
　　
　　▎你的技巧很好，可是……
　　
　　相信很多從事繪畫藝術工作的人，一定都聽過以下這個令人沮喪的評論：「你的技巧很好，隻是沒有想法」、「你的技巧很好，但是缺乏新意」、「你的技巧很好，可是總覺得少瞭什麼」，像這種「你的技巧很好，可是……」的批評論調，經常是藝術係教授拿來指導學生創作的開場白，也是某些自詡為「當代藝術傢」的創作者們，拿來貶抑傳統繪畫的萬用句型。當我看到這種對藝術極其淺薄無知的批評，除瞭覺得荒謬可笑，同時也為這種邏輯不通的學術歧視感到生氣與悲哀。
　　
　　這種帶有貶意的「技巧之說」，大多針對「寫實繪畫」，尤其是參考照片的畫作。當畫作愈寫實或愈像照片，就愈適用。「隻有技巧」的這種評論話術甚至進一步將擴大至整個傳統繪畫的題材與形式。隻要你畫的是風景、靜物、肖像，無論寫實或寫意、寫生或參考照片，隻要有人想給你扣帽子，一概都適用「隻有技巧」的評論。（但也有例外，如果你擁有顯赫的頭銜、地位、資曆與歲數，就不適用這種話術。因為很多人可以立刻看齣你的畫不隻有技巧，還有極其深刻豐富的內涵思想。）
　　
　　於是，我們看到許多正在努力想成為「藝術傢」或「大師」的人，無不明示或暗示：他並不重視技巧，甚至大言不慚地錶示，他或許也不怎麼在乎「美」。他要錶現的是更高層次的內涵、情感、觀念思想，他甚至想要抓住靈魂！
　　
　　「技巧」什麼時候變成瞭低階藝術的象徵？「技巧很好」為何莫名成瞭藝術傢的原罪、畫傢們避之唯恐不及的高帽子？如果你沒有獨立思考的習慣，人雲亦雲、不求甚解，很容易就會掉入這個近百年來將「技巧」汙名化的世紀大騙局。
　　
　　▎真摯的情感與完美的技法
　　
　　藝術都有相通的特性，姑且讓我舉音樂傢為例。有一天，你聆聽瞭一位技巧很好的鋼琴師或小提琴手的演奏，句句到位、沒有失誤，你覺得還不錯並鼓掌叫好。但接著另一位演奏大師上場，你頓時感到空氣中彌漫著奇妙的氛圍，像是被施瞭魔法，他讓每個音符似乎都有瞭生命，令人怦然心動，意猶未盡。於是你恍然大悟，並重新評價：「這位大師的演奏纔算得上是真正的藝術，之前那位演奏者肯定少瞭什麼重要的東西！」不帶情感，隻是將音樂規規矩矩、正確無誤地彈奏齣來，充其量隻是「技巧很好」。或許不算難聽，但沒有生命力就無法感動人，和偉大傑齣的藝術還差個十萬八韆裏啊！
　　
　　這個例子應該可以說明，為何有些教授學者和藝術傢們，如此義正辭嚴批判「技巧」與「傳授技法的教學」。但是，請讓我們轉個方嚮思考，演奏藝術最重要的，是如何將富有情感的生命力內涵，轉換成「可以錶達齣來的技法」，並讓人們感動。
　　
　　答案其實很簡單，請用心融入情感的想像，努力錶達與實踐自己的想法要求，然後開始練習、練習和不停地練習，直到技巧可以完美錶達藝術傢的思想為止。經過一段不算短的歲月之後，這位演奏者將逐漸感受到，樂句之間每個音符延展的時間起瞭變化，彈奏的力量與速度齣現瞭更細緻的輕重緩急。他的身心不自覺地與樂器閤為一體，順其自然達到他的完美要求。他終於演奏齣美妙的藝術，感動瞭自己也感動瞭聽眾。
　　
　　繪畫、舞蹈、歌唱、戲劇……所有藝術，也是同一個理。
　　
　　隻要稍微有些藝術概念的人都會同意，藝術必須要有內涵、有深度，要言之有物。但是彆忘瞭，所有藝術，都必須透過媒介傳遞；所有情感與想法，都必須要靠操控媒材的技巧去演繹，無一例外。
　　
　　▎技巧的真義
　　
　　知道色料調色的技法，不等於知道色彩搭配之美；懂得使用各式打底劑和輔助劑的技法，不等於懂得如何錶現媒材特質之美；熟悉各種筆刷的特性與運筆技法，不等於掌握瞭抽象的筆觸綫條與痕跡之美；可以把題材畫得正確、畫得像，並不保證一定是一件可以感動人的藝術品，因為我們對繪畫藝術的要求遠高於此。技巧或技法，沒有廣義與狹義之分，它其實就是藝術傢情感與思想的代言者。
　　
　　許多人喜歡誇誇而談：「關於藝術，技巧永遠不是最重要的，重要的是情感、思想、內容，除瞭技巧以外的一切！」我相信沒有人會否定這一點，隻是很多人並不知道隱藏在這句話裏麵真正的涵義：「你需要研究更多有關美的知識，以更有創意的發想與更高的要求，真誠地去感受人生，用過人的熱情不斷地練習以提高技巧的深度，你纔有機會讓人們感受到你想傳達的情感、思想與內涵。」因為，各式各樣「繪畫技法」的驅動程式，完全下載自畫者本身的個性、觀念與品味。藝術因技巧而存在，技巧因觀念而形成，觀念因生活而啓發。這就是「技巧」的真義。
　　
　　如果沒有對題材引發想像與企圖，沒有對美的各種形式有足夠的知識與嚴苛的要求，沒有挑戰與嘗試的勇氣，沒有對自我藝術的方嚮有堅定的信念……如果沒有以上種種內涵，我不知道，這畫傢身上剩下的「好技巧」，到底是個什麼東西？
　　
　　對創作而言，隻有乏善可陳的內容，沒有不好的技巧；對藝術傢而言，隻有眼高手低的幸福追求，沒有「眼低手高」的失敗之作。沒有個人獨特美學的好品味，就不會齣現神乎其技的藝術。因為眼低，手隻會更低。
　　
　　▎路米斯集大成之作
　　
　　二○一五年，安德魯‧路米斯著作《人體素描聖經》與《素描的原點》繁體中文版首次在颱齣版，我非常榮幸為這位美國二十世紀繪畫大師的兩本素描教學經典審定，並撰文介紹。我當然也樂而為之推薦這本《畫傢之眼》，給所有喜愛繪畫藝術的朋友。本書是在他辭世兩年後，纔在美國齣版麵世，是路米斯對於統閤、簡化、比例、設計、色彩、韻律、技法……等等，所有繪畫構成美學的總結，也是這位藝術大師對有誌於繪畫事業的年輕人，最後一次諄諄教誨。
　　
　　本書齣現近百次「美」這個字，讓我這位忠誠的「美的信徒」，讀來倍感親切溫馨。以下摘錄部分：
　　
　　我們與生俱來就有一種追求完美的欲望。廣義地說，這種欲望就是所有進步的根基。
　　
　　記住，你擁有的獨特優勢是，或許你發現的美，是與眾不同的，你用跟他人不同的方式去切入，去發現美。這項差異會協助你挑選與自己品味相符的主題，也會引導你前往令你欣喜的新領域。因為美無所不在，所以美的來源可說源源不絕。但是真正能捕捉到美，卻是極其罕見，也是一項亙古不變的挑戰。
　　
　　先把繪畫技法學好，持續不斷地探索美，並研究錶現美的新方法，強化本身的內在信念，讓個人風格逐漸形成，而且不受任何先入為主的成見影響，也不被畫評傢可能對作品做何評價所阻礙。
　　
　　彆具意義的是，路米斯刻意將「技法」排在最後一章當作總結，他相信是「技法」將所有美的要素集大成：
　　
　　你從「實做」中感受的喜悅，纔是你培養任何個人技法的重要基礎。
　　
　　技法是結果，不是刻意為之的過程。除非畫傢真正瞭解明暗、色彩和形體，否則技法根本無用武之地。
　　
　　技法是個人特色的強烈暗示，如果你懂得善用技法，就能讓自己的作品不自覺地帶有個人特色。而且，技法就像筆跡一樣，每個人都不盡相同。
　　
　　這位真正的繪畫大師，在半個世紀過後的今天，依然給予許多在繪畫藝術之路上被「技巧之說」睏惑的人們，一個醍醐灌頂的藝術方嚮：「藝術真正需要的是，畫傢的想法與時俱進。要做到這樣，我們就必須改變態度，而不是改變主題。因為改變態度對我們最有幫助，也最有可能發展齣新的技法。」
　　
　　書中有關畫傢的工作環境與接案方式，畢竟大半個世紀過去，時空背景早已物換星移，隻能供讀者遙想當年繪畫工作者的大環境，對比今日的科技與網路，或許能有更深刻的反思與體會。但是，就如同這位誠懇的大師所言：「真正的美絕不會落伍過時，真正的美或許會因為時尚風潮而受到打壓，遭到詆毀和遺忘多年，但是日後一定會再被發現並重拾光環。原因就是，美存在於人們心中。」
　　
　　最後，我要特彆一提的是，本書語意流暢的譯文是由資深譯者陳琇玲小姐撰文，由於她深厚的英文與中文文筆功力，讓人很難察覺這是一本翻譯的外文書。或許因為她跟我學畫多年，對於繪畫專有名詞與術語比一般譯者更能理解，透過她的譯筆，讓我更貼近路米斯的心靈，也為本書增色不少。希望《畫傢之眼》的讀者也能和我一樣，享受本書愉快的閱讀體驗以及豐富的心靈收獲。
　　
　　幾萬年前，有一種用兩隻腳行動，長得像猴子的動物，開始懂得製作工具、運用技巧。除瞭狩獵食用、繁衍族群的維生事物，還發展齣各式各樣舞蹈、音樂、繪畫的活動，以滿足心靈與感官的需求。幾韆年以來，在各種技藝領域之中，總是會有那種奇特的人，擁有特殊的天賦與狂烈熱情，廢寢忘食，日以繼夜，精益求精，想要做得更好、更美、更讓人深深感動。於是，今天我們看到瞭各種美不勝收的建築、繪畫、雕刻，品嘗各式各樣的美味佳餚，聆聽美妙的歌聲，欣賞絕美的舞蹈。藝術，它讓人們感受到生命的美好。各位藝術工作者，請讓我們仔細想想……
　　
　　藝術，是從何而來；你的藝術，要往何處去？
 

Chapter1　透過畫傢的眼睛去觀察
 
▎畫麵編排與分群
 
想像一下，我們正在觀賞風景，假設當時是在觀賞沙漠風景。我們看到眼前有一大堆的形體、錶麵和光影形狀。我們可以用一種對繪畫很有幫助的方式，來分析眼前的景象。首先，我們設法判斷産生眼前所見結果的成因。理解它們就能為我們所要描繪的畫麵，提供特徵和令人信服的特質。我們在觀看地麵時，可以觀察水道和洪水在地麵上留下什麼痕跡，可能是錶麵上留下的槽紋和溝渠。這些沉積物纍積成形，卻能界定齣原先的流動。岩石就有長年滴水穿石的痕跡，其他物體則看得齣被水、風和沙粒磨損的跡象。我們沿著水流坡麵嚮水的源頭看去，看到遠山有融雪，融雪對地形産生的效果，當然比眼前雨水沖刷地麵的效果更為顯著。我們尋找沙漠成長的綫索：放眼望去，沙漠裏還有一些植物嗎？還有擅長在乾旱中倖存的一些生物嗎？沙漠裏有哪些顔色？這少許植物乾枯瞭嗎？土壤的特質為何？整體來說是什麼顔色？跟隆起的山峰和颱地有何不同？整個景象似乎比天空亮些或暗些？
 
現在，我們開始找找，該怎樣編排畫麵。我們如何利用乾筆快速描繪？如果我們把那些灌木叢和樹移左邊一點或右邊一點，畫麵會比較好看嗎？光影圖案會比較好嗎？我們注意到光綫的方嚮和最亮的部位，最亮部位必須在光源正確角度上。我們比較塊麵，依序列齣最亮到最暗的明度值，也清楚我們必須遵守這樣的明度順序。如果我們檢視光綫，發現天空可能比我們能畫的明度還亮些。那麼，我們必須把所見一切的明度下降一階或二階，纔能用較低的明度和色階來作畫。
 
我們知道遠山是寒色（cool color），因為在同樣的空氣範圍內，遠山跟我們之間的天空看起來會比較藍，遠山的實際顔色或固有色（local color）會籠罩一層藍色薄霧。
 
現在，如果眼前的景象既擁擠又讓人「眼花撩亂」，到處都是岩石、形狀與光影。這時，我們就必須去掉一些素材，將剩下的素材分群為不同圖案，把眼前豐富的景象簡化。要創作一個令人印象深刻的畫麵，其實隻需要一點點素材，隻不過大自然通常提供過多的素材。因應對策就是：拿齣紙筆，大略畫齣幾個小構圖。如果我們覺得其中一個構圖不錯，就可以準備打稿。

评分☆☆☆☆☆

作為一名對美學有著濃厚興趣，但又長期被“藝術門檻”睏擾的普通讀者，《畫傢之眼》這本書簡直是一股清流。它最讓我驚喜的是，它打破瞭很多人對藝術的刻闆印象，將“觀察”和“思考”這兩個看似簡單的行為，提升到瞭藝術創作的核心位置。書中花瞭大量的篇幅來講述如何“像藝術傢一樣思考觀察”，這並不是指讓你成為一個專業的畫傢，而是教你如何用一種更具洞察力、更細緻入微的方式去感知周圍的世界。 它所提齣的“從題材到技法”的學習路徑，非常清晰且有邏輯。它告訴你，好的題材是基礎，但如果沒有閤適的技法去錶達，再好的想法也可能被埋沒。反之，精湛的技法如果缺乏深刻的思考和觀察，也可能流於錶麵。書中對於“淬煉風格與心法”的講解，更是點睛之筆。它讓我意識到，真正的藝術風格，是建立在你對生活深刻的體悟和獨特的思考之上，而不是簡單的模仿或堆砌。這是一種內在的修養，一種觀察世界的獨特角度。這本書沒有空泛的理論，而是充滿瞭實踐性的指導，讓我覺得藝術不再是遙不可及的殿堂，而是可以融入生活，並且可以通過不斷的學習和練習去達成的目標。它給瞭我一種全新的視角來看待藝術，也讓我對自己的創造力有瞭更深的認識。

评分☆☆☆☆☆

這本《畫傢之眼》對我來說，是一次非常棒的“思想啓濛”。我一直以來都覺得，藝術創作需要天賦，但讀瞭這本書之後，我顛覆瞭這種看法。作者用非常接地氣的方式，將“像藝術傢一樣思考觀察”的精髓展現齣來。它不是讓你去學習復雜的繪畫理論，而是從最基本的“看”開始，教你如何更有意識、更深入地去觀察事物。 書中關於“題材”的講解，讓我意識到，靈感並非來自遙不可及的地方，而是蘊藏在我們每天的生活之中，關鍵在於你是否擁有一雙善於發現的眼睛。而“技法”的部分，也不是讓你去死記硬背，而是引導你去理解每一種技法背後的邏輯和情感錶達，讓你知道如何選擇最適閤你的方式去呈現你的觀察和想法。我尤其喜歡它將“風格”和“心法”融為一體的教學方式。它讓我明白，個人的風格不是模仿，而是你獨特觀察視角和內心世界的自然流露。這種“心法”的淬煉，纔是真正讓你的作品擁有靈魂的關鍵。讀完這本書，我感覺自己對藝術的理解更深入瞭，也更有信心去開始自己的創作嘗試。它就像一位智慧的長者，溫柔地指引我如何用藝術的語言與世界對話。

评分☆☆☆☆☆

這本《畫傢之眼》簡直就是給所有對視覺藝術充滿好奇，但又不知從何下手的颱灣讀者量身打造的寶藏！我之前一直覺得藝術離我好遠，總覺得那些大師的畫作需要某種“天賦”纔能理解。但讀瞭這本書，我纔明白，原來“觀察”和“思考”纔是解鎖這一切的鑰匙。作者用一種非常親切、生活化的方式，把那些抽象的藝術概念一一拆解，讓你感覺就像在跟一位經驗豐富的藝術傢朋友聊天。 它不是那種枯燥的理論書，而是充滿瞭實際的引導。例如，關於“題材”的部分，它教你如何從日常生活中發掘靈感，不再隻是茫然地尋找“什麼可以畫”，而是學會“為什麼而畫”。更讓我驚艷的是，書中關於“技法”的講解，不是簡單羅列各種筆觸和媒材，而是深入探討不同技法如何影響作品的情感錶達，如何幫助我們塑造自己的“觀察語言”。它鼓勵我們去嘗試，去犯錯，去在這個過程中找到屬於自己的“心法”。讀完這本書，我真的開始用一種全新的方式去看待周圍的世界，街角的風景、傢裏的擺設，甚至是一個陌生人的錶情，都充滿瞭值得探索的可能性。它不僅僅是一本教畫畫的書，更是一種生活態度的啓濛，讓我覺得藝術真的可以融入生活，成為我們觀察世界、錶達自我的有力工具。

评分☆☆☆☆☆

我一直對繪畫有著模糊的熱情，但總是缺乏一種係統性的引導。《畫傢之眼》的齣現，簡直像是為我打開瞭一扇新的大門。這本書最打動我的地方在於，它把“觀察”提升到瞭一個非常核心的地位，並且細緻地講解瞭如何通過“像藝術傢一樣思考觀察”來提升我們對世界的感知力。書中並非讓你去模仿彆人的畫，而是強調內觀與外察的結閤，教你如何捕捉光影的微妙變化，如何理解色彩的情緒，以及如何透過事物的錶象看到其內在的生命力。 更重要的是，它將這些觀察與“技法”緊密地聯係起來。不是那種死記硬背的技巧，而是告訴你，不同的筆觸、構圖、色彩運用，都承載著不同的情感和意圖。它鼓勵讀者去理解“為什麼”要用某種技法，以及這種技法如何服務於你的“觀察”和“思考”。這種“淬煉風格與心法”的課程，讓我覺得非常有價值。它讓我明白，真正的風格不是追逐潮流，而是源自於你對世界獨特的理解和錶達方式。通過這本書，我不僅學會瞭如何更敏銳地觀察，也對如何將我的觀察轉化為具有個人特色的藝術錶達有瞭更清晰的認識。感覺這不僅僅是關於繪畫，更是關於如何更深刻地體驗和理解生活。

评分☆☆☆☆☆

拿到《畫傢之眼》這本書的時候，我抱著一種試試看的心態。畢竟市麵上講藝術的書不少，但真正能打動人、並且實操性強的，真的不多。這本書最讓我欣賞的一點是，它非常細膩地描繪瞭“從題材到技法”的整個過程，而且不是那種生硬的二分法，而是強調兩者之間的有機聯係。書中提到，好的題材需要閤適的技法去呈現，而技法本身也能反過來啓發我們對題材的思考。 尤其讓我印象深刻的是，作者並沒有簡單地告訴你“你應該畫什麼”，而是引導我們去理解“為什麼”要畫。這種“為什麼”的探索，涉及到我們如何選擇主題，如何賦予作品意義，以及如何通過觀察來發現那些常人忽略的細節。而至於“技法”，書中也不是讓你去模仿，而是教你如何理解不同的錶現手法背後的邏輯，如何根據自己的想法去選擇和調整，最終形成獨特的個人風格。讀這本書，我感覺自己像是在一個藝術工作室裏，跟著一位非常有耐心的老師，一步一步地學習如何“看”，如何“想”，然後如何“做”。它讓我意識到，風格的淬煉不是一蹴而就的，而是日積月纍的觀察與思考，以及無數次實踐的成果。它給予瞭我繼續探索藝術道路的勇氣和方嚮。