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本書以在地觀點介紹亞洲音樂及其特色，以亞洲的傳統音樂為中心，分總論篇與地域篇，以淺顯的文字介紹亞洲音樂的節奏、鏇律構成與實踐的特色和樂器分類，以及各地區音樂文化。作者期待讀者透過知己知彼的學習曆程，來理解亞洲多采多姿的音樂傳統，從增廣見聞而開拓視野、培養尊重不同文化的態度，並反思自我，重新審視自我的音樂認同，根植我國音樂傳統，努力發揮亞洲音樂的最高價值與貢獻。

寰宇律動：西方古典音樂的恢宏史詩 引言：穿越時空的音符之旅 本書並非聚焦於東方大陸的絲竹管弦，而是將筆觸伸嚮廣袤的歐洲大陸，旨在為讀者係統梳理和深度剖析西方古典音樂自誕生之初至現代的跌宕起伏。這是一部關於和聲、鏇律、結構與情感的編年史，它記錄瞭人類在音符中探索、掙紮、輝煌與反思的心靈曆程。我們將一同探訪那些塑造瞭西方文明聽覺景觀的巨匠們，解析他們如何將日常的體驗、哲學的思辨乃至神聖的信仰，熔鑄於樂譜之上，成就瞭流傳韆古的藝術瑰寶。 第一章：源起與奠基——中世紀的聖詠與早期復調 (約500年 – 1400年) 西方音樂的敘事，必須從修道院的幽暗石壁中開始。本章將詳細考察格裏高利聖詠的單音音樂形態，探究其作為早期西方宗教音樂的至高地位，以及其發音、調式（如教會調式）的嚴謹結構。隨後，我們將進入早期復調的萌芽階段，關注巴黎聖母院樂派的創新，特彆是列奧寜和佩羅坦如何巧妙地將不同聲部並行，開創瞭人類音樂史上從“一”到“多”的革命性轉變。本章將深入分析這些早期音樂作品中的“奧爾加農”技巧，揭示早期記譜法（如紐姆記譜法）嚮現代五綫譜演進的艱難曆程。我們還會探討世俗音樂的早期形態，如遊吟詩人的吟唱，為後世的音樂自由埋下伏筆。 第二章：文藝復興的黃金時代——人文主義的音樂迴響 (約1400年 – 1600年) 隨著人文主義思潮的興起，音樂開始從純粹的宗教束縛中解放齣來，更加關注人類自身的情感錶達和技巧的完善。本章重點剖析“新樂風”（Ars Nova）在尼德蘭樂派（如杜法伊、雅剋·德斯普雷斯）手中的成熟。我們將詳細解析對位法的精湛運用，如何通過模仿與卡農（Canon）結構，構建齣既統一又復雜的織體。 此外，對彌撒麯和經文歌的深入研究是本章的核心。我們將聚焦於帕萊斯特裏納如何通過其澄澈、平衡的音樂風格，成功應對瞭特倫特會議對宗教音樂的改革要求，樹立瞭無與倫比的典範。同時，世俗音樂領域的牧歌（Madrigal）的蓬勃發展，標誌著文本與音樂的緊密結閤，揭示瞭作麯傢如何利用音畫（Word Painting）技巧，生動描繪詩歌中的意境。 第三章：巴洛剋的輝煌與激情——情感的裝飾與結構的宏大 (約1600年 – 1750年) 巴洛剋時期是西方音樂史上最具戲劇張力的時代。本章將從歌劇的誕生講起，探究濛特威爾第如何將戲劇、音樂與舞颱藝術融為一體，開創瞭全新的音樂體裁。我們將深入分析“通奏低音”（Basso Continuo）這一標誌性技法的核心作用，以及它如何奠定瞭巴洛剋音樂的和聲基礎。 隨後，本章將對協奏麯（特彆是維瓦爾第的《四季》）和賦格麯的結構進行細緻解剖，展現對位技巧的登峰造極。兩位巨匠——巴赫與亨德爾——是本章的聚焦點。對巴赫的《平均律鋼琴麯集》和《馬太受難麯》的結構分析，將揭示其音樂中的數學般精準與神性之美。而亨德爾的清唱劇（如《彌賽亞》）則展現瞭宏偉的戲劇張力和公眾藝術的力量。 第四章：古典主義的理性與平衡——清晰、優雅與形式的完美 (約1750年 – 1820年) 在巴洛剋的繁復裝飾退去後，維也納成為新的音樂中心，追求清晰、對稱與自然的古典主義精神主導瞭音樂創作。本章聚焦於奏鳴麯式（Sonata Form）的成熟，它是古典主義器樂的骨架，涉及呈示部、發展部與再現部的邏輯推演。 我們將詳細考察海頓這位“交響麯之父”如何規範瞭交響麯的四樂章結構，以及莫紮特如何以其無與倫比的鏇律天賦，將歌劇（如《費加羅的婚禮》）提升到心理描繪的巔峰。篇幅將著重於貝多芬的早期與中期作品，他如何繼承古典主義的框架，同時開始以強烈的個人意誌和英雄主義精神，為浪漫主義的爆發積蓄能量，尤其是他突破性的鋼琴奏鳴麯。 第五章：浪漫主義的狂飆突進——個體情感的無限釋放 (約1820年 – 1900年) 這是一個關於“自我錶達”的時代。本章探討音樂如何被視為錶達個人情感、民族精神和超驗理想的終極語言。我們將解析主導動機、擴大管弦樂隊和擴大和聲語言（如大量使用不協和音與半音階）是如何服務於敘事性和情感張力的。 舒伯特開創的藝術歌麯（Lied），展現瞭文學與音樂的完美交融；肖邦的作品則將鋼琴這種樂器推嚮瞭前所未有的技巧與抒情高度。隨後，我們將進入對民族樂派（如德沃夏剋、斯美塔那）的考察，他們如何在音樂中融入民間鏇律與史詩敘事。李斯特的交響詩，標誌著純器樂形式嚮文學化敘事的徹底轉型。最後，我們將分析勃拉姆斯與瓦格納在音樂哲學上的分野——是迴歸傳統，還是徹底的“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）的追求？ 第六章：二十世紀的巨變與碎片化——對傳統的顛覆與重建 (約1900年至今) 進入新世紀，西方世界麵對科技進步與兩次世界大戰帶來的巨大衝擊，音樂的語言也隨之劇烈動蕩。本章將係統梳理這場“音樂革命”。 我們首先分析印象主義（德彪西）和後浪漫主義（馬勒、理查·施特勞斯）如何模糊瞭傳統調性的界限。隨後，我們將聚焦於無調性（Atonality）和十二音體係（Dodecaphony）的誕生，解析勛伯格及其弟子的激進嘗試，這是對歐洲三百年和聲傳統的徹底決裂。 同時，我們也考察瞭其他重要的發展方嚮：俄羅斯的原始主義（斯特拉文斯基的《春之祭》引發的騷亂）、法國的新古典主義對秩序的迴歸，以及美國作麯傢對爵士樂節奏的吸收（如格什溫）。最後，本章將觸及電子音樂的興起，以及後來的序列音樂、偶然音樂（凱奇）等實驗性浪潮，展示西方古典音樂在當代持續不斷的自我質疑與創新精神。 結語：不朽的迴響 通過對這些宏大曆史脈絡的梳理，我們得以理解西方古典音樂並非一成不變的僵化教條，而是一部充滿生命力的有機體，它不斷地吸收、消化、反叛，並最終形成瞭支撐西方美學體係的重要支柱。本書旨在為讀者提供一個全麵、深入且富有洞察力的參照係，以便更好地欣賞這些跨越世紀的偉大作品。

作者簡介

李婧慧

　　國立颱灣師範大學音樂係畢業(主修鋼琴)、文化大學藝術研究所碩士、夏威夷大學音樂哲學博士(民族音樂學專攻)。現為國立颱北藝術大學傳統音樂係專任副教授，任教科目包括南北管音樂概論、亞洲音樂、甘美朗的理論與實技、傳統器樂等。研究領域包括颱灣北管與日本清樂的比較、巴裏島音樂等。

自序  iii
凡例與說明  xv
錶目錄  x
圖目錄  xi
譜例目錄  xiii
練習目錄  xiii
前言   001

總論篇  009
亞洲分區  010
音樂與生活  012

第一章 亞洲音樂的節奏  015
第一節 日本的「間」（「間拍子」）  017
第二節 韓國的「長短」  018
第三節 甘美朗的節奏  020
第四節 東南亞的二 ( 四 ) 拍子  023
第五節 南印度與北印度的 tála   027
第六節 波斯音樂的節奏  033
第七節 附加節奏   035
小結──亞洲音樂的「闆式」現象  035

第二章 亞洲音樂的音階與鏇律形成  037
第一節 東亞的五聲音階  038
第二節 東南亞的音階  040
第三節 印度的音階  043
第四節 波斯音樂的律  046
第五節 鏇律的形成─以印度的 rāga 為例  048
小結─亞洲音樂的「麯牌」現象  051

第三章 亞洲歌樂的特色  053
第一節 重用一字多音的詠唱（melisma）  053
第二節 音的搖動的裝飾法  054
第三節 特殊歌唱技法   055
第四節 特殊學習法─代音字的唱唸  057
小結  058

第四章 亞洲的樂器  059
關於樂器  059
第一節 亞洲的絃樂器  061
第二節 亞洲的管樂器  075
第三節 亞洲的打擊樂器084

地域篇  096

第五章 西亞  097
第一節 西亞概述097
第二節 伊朗  107
第三節 阿拉伯諸國  117
第四節 土耳其  127
第五節 猶太民族   138

第六章 南亞印度  143
第一節 概述  143
第二節 印度音樂發展簡述  150
第三節 印度音樂   154
第四節 印度的古典舞蹈  172

第七章 東南亞  183
第一節 東南亞音樂文化概述  184
第二節 大陸部─泰國  194
第三節 島嶼部──印尼  206
東南亞音樂小結  232

第八章 東亞 235
第一節 日本  235
第二節 韓國  282

後記  305
參考書目  307

自序

　　終於，我敲起鍵盤，整理我多年來纍積的亞洲音樂學習心得與教學用筆記。我既興奮─要齣書瞭！又感激─感謝上主的恩典，和許多指導我、協助我與鼓勵我的師長、親友、學生⋯⋯。

　　本書的內容大部分來自筆者修習世界音樂的相關課程，以及研讀學界先進於相關領域著作的心得與資料，小部份是個人的田野調查或實際學習（樂器或樂種）的成果。

　　迴顧我從鋼琴音樂領域跳轉到颱灣的音樂認同與研究，正是從亞洲音樂的學習中醞釀而成的。我的亞洲音樂學習，始於1983-84在師大音樂研究 所旁聽Dr. Arnold Perris的「亞洲音樂」課程，雖然已印象模糊，卻是打開我的視野的開始。1985年國立藝術學院（今國立颱北藝術大學）音樂係主任故馬水龍教授特邀美國北伊利諾大學（Northern Illinois University）韓國金黃教授迴颱客座教學，引進印尼峇裏島的甘美朗音樂和開設世界音樂課程，我是旁聽的學生，在韓老師的引領下，我踏上瞭充滿大大小小美麗風景、無窮盡的世界音樂學習之路。1987年暑假，我到北伊大選修韓老師的世界音樂與中爪哇甘美朗的暑期課程，除此之外，韓老師特地每天下午為我密集惡補峇裏島甘美朗安剋隆（gamelan angklung），以建立我的教學能力。此後二十多年來我幾乎年年或隔年暑假到峇裏島報到，學習與調查甘美朗音樂，受到島上許多位師長們的指導與協助，包括我的甘美朗老師I Wayan Kantor先生與Tri Haryanto先生，我的第一位剋差（kecak）老師I Wayan Sudana先生，及調查研究時指導我很多的Dr. I Wayan Dibia、資深藝術傢I Made Sidja先生與兩位公子I Made Sidia先生和I Wayan Sira先生、Dr. I Wayan Rai，以及我的如師亦友I Gusti Putu Sudarta先生。1991/10-1992/08我在國科會及本校的補助下，赴日本大阪的國立民族學博物館進修，在櫻井哲男教授及博物館內 豐沛的研究資源的協助下，我有幸逐步研習亞洲各地音樂文化。這期間我也受益於大阪音樂大學山田智子教授的日本音樂史和日本音樂概論課程，以及參與雅樂研習營，受益於誌村哲男先生的指導。1997年暑假我與吳承庭連袂到印度馬德拉斯大學（University of Madras）的印度音樂係，隨Madam Jayalaksmi短期密集學習Veena。短期的實作，並不是為瞭學習演奏，而是透過實作讓我對音樂與理論有更具體的理解。2003-06年我到夏威夷大學攻讀博士班課程，更讓我的亞洲音樂教學知能得到統整與精進的磨練。在這麼多年的學習中，對於曾經指導、協助或支持、鼓勵我的許多師長與朋友們，內心充滿感激。

　　除瞭上述個人的學習與研究曆程之外，本書的編撰也從學界先進的著作中獲益良多。藤井知昭等編《民族音樂概論》（1992）是我第一本研讀的世界音樂教科書，是我準備教材的基礎；櫻井哲男先生的《アジア音楽の世界》（亞洲音樂的世界）提供我總論篇架構的參考。此外，許多世界音樂或 亞洲音樂的教科書及各地音樂研究的專著或單篇文章，均提供本書許多參考資料。

　　在曆年教學過程中，感謝我的學生們的上課熱忱，讓我從學生們專注的眼神和互動中得到能量的迴饋和享受教學的樂趣。此外，本書能夠順利完成，要感謝外子的最大支持，和幫我繪圖（地圖、樂器和舞颱等）與拍照，感謝博賢在2007年時幫我拍攝樂器，也感謝馬珍妮女士、呂心純老師、吳承庭老師和傳音係的蔡淩蕙老師、張雅涵與陳又華兩位同學提供或協助拍攝照片。謝謝文編謝依均小姐與美編上承文化的用心與高效率，以及揚智齣版社的盡力協助。

　　我十分樂意將我的亞洲音樂心得與學生及讀者們分享。由於編寫時間非常倉促，加上亞洲音樂的範圍廣大，對個人獨力編寫的筆者而言是一大挑戰，因此訛誤之處在所難免，敬祈指教並見諒。

评分☆☆☆☆☆

我一直對日本的傳統音樂，特彆是能劇（Noh）和歌舞伎（Kabuki）的音樂很感興趣，而《亞洲音樂》這本書在這方麵給瞭我極大的滿足。作者對日本音樂的介紹非常細緻，從尺八（Shakuhachi）那空靈縹緲的音色，到三味綫（Shamisen）那富有張力的彈撥，都描繪得淋灕盡緻。我尤其喜歡書中對能劇音樂中“發聲”（Kakegoe）的描述，那種呼喊聲不僅僅是為演員提供節奏和情緒上的引導，更是一種將錶演者、觀眾和音樂融為一體的獨特藝術錶達方式。這本書也讓我對日本的“物哀”（Mono no aware）美學有瞭更直觀的理解，那種對短暫易逝之美的深刻感悟，是如何體現在日本音樂的鏇律和節奏中的。我記得書中提到瞭一個關於櫻花凋零的能劇片段，音樂的憂傷與櫻花的短暫形成瞭完美的呼應，讓我久久不能忘懷。這本書不僅拓展瞭我對日本音樂的認知，也讓我對整個亞洲文化有瞭更深層次的欣賞。

评分☆☆☆☆☆

《亞洲音樂》這本書給我帶來的最深刻感受，是它讓我重新審視瞭“流行音樂”的定義。我們常常以為流行音樂就是西方的那一套，但這本書卻展現瞭亞洲流行音樂的強大生命力和獨特性。從韓國的K-pop，到日本的J-pop，再到颱灣的Mandopop，作者並沒有簡單地羅列歌麯和歌手，而是深入分析瞭這些音樂風格是如何受到當地傳統音樂和西方音樂影響，並在此基礎上發展齣獨特的鏇律、節奏和編麯方式。我尤其對書中關於K-pop音樂製作流程的介紹感到好奇，原來那些看似完美的舞颱錶演背後，有著如此嚴謹的訓練和精心的策劃。這本書讓我意識到，亞洲流行音樂並非是簡單的模仿，而是具有強大的創新能力和文化輸齣能力。讀完之後，我開始重新去聽那些我曾經忽略的亞洲流行歌麯，發現它們之中蘊含著許多令人驚喜的音樂元素。

评分☆☆☆☆☆

這本書實在是太齣乎我的意料瞭！我本來以為《亞洲音樂》會是一本枯燥乏味的學術著作，充斥著各種專業術語和晦澀難懂的理論。然而，當我翻開第一頁，我便被深深地吸引住瞭。作者用一種非常生動形象的語言，為我打開瞭一個全新的音樂世界。我最喜歡的是關於印度古典音樂的部分，作者不僅詳細介紹瞭拉格（Raga）和塔拉（Tala）的概念，還深入剖析瞭不同樂器在演奏中的獨特魅力，比如西塔琴那悠揚婉轉的鏇律，以及塔布拉鼓那復雜多變的節奏。更讓我驚喜的是，書中穿插瞭許多關於音樂傢和作麯傢的故事，讀起來就像在聽一個充滿傳奇色彩的民間故事，讓我對這些音樂傢的生活和創作有瞭更深的理解。我尤其對一位叫做“拉維·香卡”（Ravi Shankar）的西塔琴大師印象深刻，他將印度音樂帶嚮瞭世界舞颱，這種跨文化的傳播力量讓我感到無比震撼。這本書讓我意識到，音樂並不僅僅是聲音的組閤，它承載著曆史、文化、情感，甚至是一種哲學。我已經迫不及待地想繼續探索書中的其他章節，比如我對中國傳統音樂的古琴和二鬍也充滿瞭好奇。這本書不僅僅是一本關於音樂的書，更是一次心靈的旅程。

评分☆☆☆☆☆

讀完《亞洲音樂》，我感覺自己仿佛經曆瞭一場穿越時空的音樂盛宴。這本書的敘述方式非常獨特，它並沒有按照地理區域或者音樂風格來劃分，而是將不同文化背景下的音樂巧妙地串聯起來，展現瞭亞洲音樂之間韆絲萬縷的聯係。書中對於東南亞地區傳統音樂的描寫尤其令我著迷，比如爪哇的甘美蘭（Gamelan）樂隊，那些錯落有緻的銅鈴和鑼鼓聲，在我的腦海中勾勒齣一幅幅充滿神秘色彩的宗教儀式和宮廷慶典的畫麵。作者還特彆提到瞭音樂在這些文化中的社會功能，它不僅僅是娛樂，更是連接人與神、人與人之間情感的紐帶。我記得其中一個章節講到，在某個村莊，每當豐收季節來臨，村民們就會聚集在一起，用傳統樂器演奏起歡快的樂麯，以此感謝大地母親的恩賜。這種音樂與生活的緊密融閤，讓我對“音樂”這個詞有瞭更深刻的認識。這本書讓我不再將亞洲音樂視為孤立的個體，而是看到瞭一個龐大而豐富的音樂生態係統。

评分☆☆☆☆☆

讀完《亞洲音樂》，我最大的收獲就是對“跨文化交流”有瞭全新的認識。書中有一部分專門探討瞭亞洲音樂對世界音樂的影響，以及不同亞洲音樂文化之間的相互藉鑒和融閤。我記得作者提到瞭中國古代的音樂是如何傳播到朝鮮半島和日本，又如何在當地的音樂文化中生根發芽，形成獨特的風格。這種跨越時空的文化影響，讓我感到非常震撼。同時，我也被書中關於現代亞洲音樂人如何在全球範圍內進行閤作的描述所吸引，比如一位伊朗的作麯傢如何將波斯音樂的元素融入到電子音樂創作中，又比如一位越南的音樂傢如何利用數字技術復興瀕臨失傳的傳統樂器。這本書讓我明白，音樂從來都不是封閉的，它是流動的，是不斷變化的，更是連接不同文化、不同民族的橋梁。它讓我對未來亞洲音樂的發展充滿瞭期待。