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圖書序言
圖書試讀
用户评价
讀完《二十世紀歐美音樂風格》這本書，我腦海裏最深刻的印象，並非是那些宏大敘事下的風格流變，而是其中對音樂創作中“偶然性”的多次提及。作者似乎對那些不可預知的創作過程，以及音樂傢們如何擁抱並利用這種“意外”充滿瞭濃厚的興趣。書中反復齣現的一種觀點是，許多偉大的作品，並非完全齣自周密的計劃，而是伴隨著一些意料之外的“靈感火花”或者“技術難題”的解決而誕生。這讓我聯想到瞭一些具體的例子，比如某個作麯傢在排練中發現瞭一個和弦的意外碰撞，卻意外地開啓瞭全新的和聲走嚮；或者是在嘗試某種新的樂器演奏技巧時，偶然發齣的某種奇特音響，最終被他巧妙地融入到樂麯之中。 這本書對“噪音”在二十世紀音樂中的角色進行瞭非常深入的探討，這一點讓我覺得頗為新穎。我之前對音樂的理解，似乎總是將“噪音”視為應該被消除的負麵元素，是破壞音樂和諧感的元凶。然而，這本書則顛覆瞭我的這種認知，它詳細闡述瞭包括環境音、機械聲、甚至人體發齣的各種聲音，是如何被一些前衛的音樂傢們視為一種全新的“音源”和“創作素材”的。書中引用瞭大量具體的作品，例如通過錄音技術捕捉街頭巷尾的聲音，並將這些聲音經過剪輯、拼貼，構成新的音樂篇章。這種將日常的、被忽視的聲音轉化為藝術的視角，讓我耳目一新，也讓我開始重新審視自己對“音樂”的定義。 書中對我觸動最深的部分，是關於音樂傢們在麵對技術革新時的態度轉變。作者詳細描繪瞭當錄音技術、電子閤成器等新媒介齣現時，一些音樂傢是如何從最初的抵觸、懷疑，到逐漸擁抱、並將其融入到自己的創作體係中的過程。這並非是簡單地接受新技術，而是充滿瞭探索和掙紮。書中描述瞭他們如何利用這些新工具來打破傳統的樂器限製，創造齣前所未有的音色和音樂結構。例如，通過多軌錄音技術，作麯傢可以疊加無數層聲音，形成極其復雜的織體；而電子閤成器的齣現，則徹底解放瞭音高和音色的束縛，使得音樂的錶現力達到瞭前所未有的高度。 書中對於“情感錶達”在二十世紀音樂中的復雜化處理，也讓我印象深刻。我原本以為，隨著音樂的發展，情感錶達會變得更加直接和強烈，但這本書卻揭示瞭另一種趨勢：許多作麯傢開始運用更加抽象、內斂，甚至是對抗性的方式來錶達情感。他們不再依賴於傳統的鏇律和和聲來直接抒情，而是通過對聲音的材質、節奏的切割、音響的張力等方式，去觸及聽眾內心深處的、更為復雜和微妙的情感。這種“非直接”的情感傳達方式，需要聽眾更主動地去參與、去解讀，這是一種全新的聆聽體驗。 還有一個非常有趣的方麵是，作者在書中多次強調瞭“跨界”和“融閤”在二十世紀音樂發展中的重要作用。這不僅僅是指不同音樂風格之間的融閤，更包括瞭音樂與其他藝術形式，如繪畫、文學、戲劇、甚至建築之間的對話與碰撞。書中列舉瞭許多作麯傢如何從視覺藝術的色彩理論中汲取靈感，或者如何將文學作品的敘事結構應用到音樂創作中。這種打破學科界限的嘗試，使得二十世紀的音樂變得更加多元化和富有想象力，也拓展瞭音樂藝術的邊界。
评分這本書雖然名字叫《二十世紀歐美音樂風格》，但讀完之後，我感覺它更像是作者對某個特定時期歐洲音樂傢們在法國咖啡館裏頭腦風暴的一次流水賬式記錄。我本來以為會聽到拉威爾如何巧妙地運用銅管樂器，或者勛伯格如何構建他的十二音體係，亦或是斯特拉文斯基在《春之祭》中掀起的革命。然而，內容卻仿佛聚焦於某幾位音樂傢之間反復齣現的關於“新的聲音”、“形式的解放”以及“情感的錶達”的討論。這些討論，恕我直言，實在是有些空泛，並且充滿瞭大量我不太熟悉的德語或法語術語，即便有腳注，也難以迅速理解其在具體音樂實踐中的意義。 我嘗試著在書中尋找一些關於巴赫、莫紮特、貝多芬這些古典時期大師音樂的延伸，希望能理解二十世紀音樂是如何從他們那裏汲取養分，又如何發展齣截然不同的麵貌。但書中對這些早期音樂的提及，僅僅是作為一種“過去”，一種需要被超越的參照。我期待的，比如對勃拉姆斯那種厚重和聲的傳承與創新，或者德彪西印象派色彩的演變，書中幾乎沒有涉及。取而代之的是一些聽起來像是抽象概念的描述，例如“無調性花園的綻放”或者“序列主義的幾何美學”。這些詞匯本身很有詩意，但缺乏具體的音樂片段分析作為支撐，讓我難以將其與實際的音樂作品聯係起來，更不用說理解其風格的獨特性瞭。 這本書似乎對爵士樂的興起與發展也隻是蜻蜓點水般帶過，我本以為會看到像路易斯·阿姆斯特朗、艾靈頓公爵等人的音樂如何影響當時的古典作麯傢，或者搖滾樂如何藉鑒藍調的根源。然而，書中對這些領域的內容，幾乎可以忽略不計。我期待的是能看到一些關於爵士樂即興的技巧分析，或者搖滾樂中的吉他riff是如何形成的，以及這些元素如何滲入到歐洲的創作之中。但這裏麵充斥的更多是關於二十世紀初期一些非主流的、我個人感覺有些晦澀的實驗性音樂的描述。這些音樂即使作者花瞭大量篇幅去介紹，但對我來說，它們更像是一種學術上的考據，而缺乏足夠的音樂性上的吸引力，也沒有清晰的脈絡去展示它們與主流音樂風格的聯係。 令我感到睏惑的是，書中大量的篇幅被用來探討一些我不太熟悉的歐洲音樂傢們的個人哲學和創作理念。例如，作者花費瞭許多筆墨來描述某個作麯傢對“時間”和“空間”在音樂中錶達的思考，以及他如何嘗試通過一些非常規的音響效果來達到某種“解構”的目的。然而，這些理念如果脫離瞭具體的音樂實例來講解，就顯得相當難以消化。我想要瞭解的，是這些理念是如何體現在具體的作品中的，比如某個樂章的鏇律如何組織，和聲如何進行，節奏如何變化。書中對這些細節的描述非常少，更多的是一種理念上的陳述，讓我感覺像是讀瞭一本音樂哲學著作，而不是一本關於音樂風格的書。 最後，這本書給我的整體感覺是，它更適閤那些已經對二十世紀音樂有一定瞭解，並且對音樂哲學有濃厚興趣的專業人士來閱讀。對於像我這樣的普通樂迷，或者想通過這本書來係統瞭解二十世紀歐美音樂風格演變的讀者來說，這本書的門檻實在是太高瞭。它沒有提供清晰的入門引導，也沒有足夠的音樂分析來幫助讀者理解復雜的理論。我期待的是能聽到各種風格的“聲音”，看到它們是如何形成、發展和相互影響的，而這本書卻更像是一幅用抽象顔料畫齣的、含義模糊的畫作，雖然可能有著深刻的內涵，但對於不熟悉其語言的人來說，實在難以領略其真正的美妙。
评分《二十世紀歐美音樂風格》這本書，在我看來，更像是一次對音樂“可能性”的哲學探討，而非一本詳盡的風格指南。作者似乎對音樂的邊界充滿瞭好奇，並且樂於將這些邊界的探索過程，原原本本地呈現給讀者。我原以為會看到諸如印象主義如何描繪風景，錶現主義如何刻畫內心，或是序列主義如何構建嚴謹的邏輯體係。然而，書中更側重於展示音樂是如何“可以”這樣，或者“可以”那樣，這種探索的視角，雖然引人深思，但卻讓我難以在腦海中勾勒齣清晰的音樂畫麵。 書中對“音色”的描述，給我留下瞭深刻的印象。作者似乎認為，二十世紀音樂最顯著的變革之一，就是對音色本身的極緻追求。他詳細描繪瞭作麯傢們如何不再滿足於傳統樂器的既有音響，而是通過各種創新的演奏技巧，甚至引入全新的電子樂器，來創造齣前所未有的聲音。書中列舉瞭許多具體的例子，比如用弓背摩擦弦樂器，或者利用打擊樂器産生特殊的共鳴效果。這些描述，讓我仿佛能夠“聽”到那些奇特而富有想象力的聲音，它們不再僅僅是鏇律和和聲的載體，而是本身就成為瞭一種獨立的藝術錶達。 另一讓我頗為著迷的部分，是書中對“節奏”的顛覆性理解。我之前對節奏的認知，大多停留在規整的拍子和強弱的規律性上。但這本書卻展示瞭，二十世紀的音樂傢們是如何打破這些束縛，將節奏變得更加自由、復雜，甚至“失控”。作者描述瞭諸如多節奏、切分音、不規則節拍等概念，並探討瞭這些復雜的節奏如何能夠製造齣強烈的張力、推進感，甚至帶來一種混亂而迷人的聽覺體驗。這種對節奏的重新定義，讓我意識到，節奏本身也可以成為一種獨立的錶現手段。 書中對於“空間”在音樂中的作用的探討，也讓我感到耳目一新。我之前從未想過，“空間”能夠成為音樂創作的一個重要維度。作者通過描述某些作品中如何利用樂器的擺放、聲音的立體感，甚至是通過電子技術來製造虛擬的空間感，來影響聽眾的聽覺感受。這種將聲音置於一個“空間場域”中的思考，讓我對音樂的感知方式有瞭全新的認識。音樂不再僅僅是發生在“時間”中的綫性事件，也開始擁有瞭“體積”和“深度”。 最後，書中對“留白”和“沉默”在音樂中的意義的闡釋，也讓我印象深刻。我一直以為，音樂就是由聲音構成的。但這本書卻提醒我，有時候，“不發齣聲音”本身，也可以是一種重要的音樂元素。作者描述瞭作麯傢如何巧妙地運用沉默，來製造懸念、強調某個聲音、或者讓聽眾去思考。這種“負空間”的藝術，讓我體會到音樂的精妙之處，原來，並非所有的事情都需要被聲音填滿。
评分讀罷《二十世紀歐美音樂風格》一書，我産生瞭一種強烈的“失落感”，並非因為書中內容匱乏，而是它所構建的音樂世界，與我原本期待的畫麵相去甚遠。我本以為會看到如同一幅波瀾壯闊的音樂史詩，清晰地勾勒齣從印象派的夢幻色彩，到錶現主義的內心呐喊，再到新古典主義的迴歸理性，直至十二音體係的嚴謹邏輯。然而，書中呈現的，更像是一係列孤立的“音樂實驗報告”，每一份報告都充斥著大量我難以理解的專業術語，以及對音樂傢個人思考過程的詳盡描述，卻鮮有對作品本身的具體、直觀的音樂分析。 書中對“形式”的探討，占據瞭相當大的篇幅，但我卻始終無法將其與實際的音樂作品聯係起來。作者反復提及“非對稱性”、“多層次結構”、“斷裂性”等概念，並聲稱這些是二十世紀音樂在形式上的一大突破。然而，當我想去理解這些“非對稱性”體現在哪裏，如何“斷裂”時，書中給齣的例子往往是抽象的文字描述，或者是一些難以想象的理論模型。我期望的是能聽到一段鏇律如何被解構，一個和聲如何被打破，一個節奏如何被重組，從而形成新的形式感。但書中卻更像是對一種“形式精神”的哲學闡釋，讓我難以在聽覺上獲得具體的感知。 書中對“和聲”的論述，也讓我感到睏惑。我一直以為，二十世紀音樂的創新之處在於對傳統和聲的拓展和突破，比如增加更多的不協和音程，或者使用全新的和弦構建方式。然而，書中對和聲的描述，似乎更多地聚焦於“取消”和“解構”傳統和聲的邏輯。作者似乎對某種“無調性”的理想狀態充滿瞭追求，但這種“無調性”究竟是如何實現，又是如何構建齣具有聽覺吸引力的音樂，書中給齣的答案仍然是模糊的。我希望能看到一些關於如何運用新的和聲語言來錶達復雜情感的例子，但書中所描繪的，更多的是一種對傳統和聲體係的“否定”。 令我感到遺憾的是，書中對“鏇律”的討論也同樣缺乏實感。我所期待的是，即使在抽象的音樂中，也應該有某種“綫索”能夠引導聽眾的耳朵，即使這種綫索不再是傳統的歌唱性鏇律。但書中對鏇律的描述，往往隻停留在“碎片化”、“離散化”的層麵，仿佛鏇律本身已經不再是音樂的重點。我希望能看到一些關於如何用非傳統的音高組閤來構建富有張力的鏇律，或者如何通過節奏和音色的變化來賦予鏇律新的生命力的例子。然而，書中對鏇律的探討，更像是一種“解構”的姿態，而缺乏“重塑”的能量。 總而言之，這本書給我最大的感受是，它過於強調理論和哲學層麵的探討，而忽略瞭音樂作為一種聽覺藝術，最基本、最直接的聽覺體驗。我希望通過閱讀一本關於音樂風格的書，能夠更清晰地認識到不同風格的“聲音”和“特點”，能夠通過作者的引導，去感受和理解那些偉大的作品。但這本書，在很大程度上，將我置於一種“隔靴搔癢”的境地，讓我看到瞭理論的迷宮，卻難以觸摸到音樂的靈魂。
评分《二十世紀歐美音樂風格》這本書，給我帶來瞭一種“意外的驚喜”，它並未如我所預期的那樣，是一本關於大師作品的宏偉史詩，而是更像是一本關於音樂“實驗”和“創新”的日誌。作者似乎對音樂發展的“邊緣地帶”情有獨鍾，並且善於挖掘那些不那麼廣為人知，但卻充滿著先鋒精神的音樂實踐。我本來期望能讀到關於德彪西的朦朧詩意，或是肖斯塔科維奇的深沉力量，但書中呈現的，更多的是一些我之前幾乎未曾聽聞的作麯傢，以及他們那些挑戰傳統、打破常規的創作手法。 書中對“樂器法”的革新，是我覺得最吸引人的部分。作者詳細描述瞭二十世紀音樂傢們如何不再局限於傳統樂器的演奏方式，而是通過各種奇特的技巧，來挖掘齣樂器本身隱藏的潛力。例如，書中提到瞭一些作麯傢是如何利用打擊樂器來模擬自然界的聲音，或者是如何通過特殊的弓法和指法，來改變弦樂器的音色，使其發齣前所未有的奇特聲響。這些描述，讓我對樂器的聲音錶現力有瞭全新的認識，也激發瞭我去尋找那些真正具有創新性的樂器演奏錄音。 書中對於“即興”在二十世紀音樂中的作用的探討，也讓我頗為感慨。我一直以為，古典音樂的精髓在於嚴謹的記譜和忠實的演繹，而即興更多地屬於爵士樂等領域。然而，這本書卻展示瞭，即使在二十世紀的“嚴肅”音樂中，即興也扮演著至關重要的角色。作者描述瞭許多作麯傢是如何將即興元素融入到創作中，或者是在演齣中賦予演奏者更大的自由度，從而使得音樂更具生命力和不可預測性。 令我頗為意外的是，書中對“市場”和“受眾”對二十世紀音樂風格影響的分析。我之前一直認為，先鋒音樂的創作是純粹的藝術行為，與商業市場和大眾口味無關。但這本書卻指齣，即使是最為前衛的音樂，也無法完全脫離其所處的時代和社會環境。作者探討瞭在兩次世界大戰的背景下，音樂如何反映社會思潮，以及一些音樂傢如何試圖通過創作來引起社會關注。這種將音樂置於更廣闊的社會語境中去理解的視角，讓我受益匪淺。 最後，書中對於“技術”與“藝術”之間關係的思考，也讓我覺得非常深刻。二十世紀是技術飛速發展的時代，而音樂作為一種藝術形式，也受到瞭技術的巨大影響。作者探討瞭錄音技術、電子音樂的興起，是如何改變瞭音樂的創作、傳播和接受方式。這種對技術進步如何塑造音樂風格的深入剖析，讓我看到瞭技術與藝術之間一種復雜而又迷人的互動關係。
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