錄像藝術啓示錄 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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圖書標籤:

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追溯錄像藝術的起源、發展、風格與類型，介紹當今具代錶性的十位國際錄像藝術傢
深入淺齣、圖文對照，為中文讀者瞭解錄像藝術發展之最佳途徑。

　　錄像藝術從1960年代至今，因拍攝器材的生産，使錄像媒材很快地被藝術傢認定是有意義的工具，且逐漸融入他們的獨立影像創作。曆經數十年的錄像藝術，即是生活與科技的一體兩麵，早期創作從跨越電視媒材到實驗性的嘗試，陸續開發齣與身體、觀念、紀錄、電影、電腦、互動、裝置等相互結閤的概念，讓它從多元藝術流派中冒齣新芽而茁壯。錄像藝術在科技不斷創新、人文觀念輾轉革新的環境中，使它在當代藝術的座標中，逐漸佔據重要地位。

　　《錄像藝術啓示錄》從錄像藝術的發展曆史、創作風格與類型分析為基礎，繼而敘及當今具有重要影響力的藝術傢，包括白南準（Nam June Paik）、比爾．維歐拉（Bill Viola）、蓋瑞．希爾（Gary Hill）、湯尼．奧斯勒（Tony Oursler）、席琳．奈沙特（Shirin Neshat）、馬剋．渥林格（Mark Wallinger）、山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）、馬修．巴尼（Matthew Barney）、史密斯和史都華德（Smith/Stewart）、剋裏斯．康寜漢（Chris Cunningham）等人的創作與觀念。本書從錄像藝術之父到錄像藝術大師菁華，串連這些深具指標意義的創作內涵與精神啓示，進而詮釋科技時代的藝術風格。本書榮獲財團法人國傢文化藝術基金會贊助。

作者簡介

陳永賢

　　1965年齣生於颱灣，國立颱北藝術大學美術係學士、美術史碩士，英國布萊頓大學藝術博士。創作主軸以身體行為與新媒體藝術為方嚮，曾舉辦個展包括：「身體之歌」、「人層迴圈」、「他者之他」。作品受邀參加亞洲、美洲、歐洲各地美術館之展覽四十餘次；2009獲選為美國劇場大師Robert Wilson的Watermill Center駐村藝術傢；作品獲加拿大楓葉新人奬、英國貝剋奬。

　　他也身兼獨立策展人，策展經曆包括：「幻象之丘—颱灣新媒體藝術展」(SCOPE邁阿密，鳳甲美術館)、「第一屆颱灣國際錄像藝術展」(鳳甲美術館)、「第二屆颱灣國際錄像藝術展」(鳳甲美術館、颱藝大)、「尋找馬緯度—新媒體藝術展」( MOT ARTS)、「動漫快感—數位媒體藝術展」(陽明大學藝文中心）、「夜視．颱北—國際錄像藝術展」誠品藝文空間)、「Random-ize Film & Video Art Festival」(倫敦）。在寫作方麵，論述以當代藝術評論、新媒體藝術為研究領域，發錶學術論文十餘篇、論述九十餘篇；齣版著作《颱灣插畫圖像美學》、《身體之歌》、《他者之他》，主編《當代科技與錄像藝術》、《幻象之丘—新媒體藝術》專書；現為國立颱灣大學多媒體動畫藝術係所助理教授。

好的，這是一份關於一本假定圖書的詳細簡介，書名為《錄像藝術啓示錄》： --- 書名： 錄像藝術啓示錄 作者： [請在此處填寫作者姓名] 齣版年份： [請在此處填寫年份] 齣版社： [請在此處填寫齣版社名稱] --- 內容簡介： 《錄像藝術啓示錄》是一部深入探討20世紀下半葉藝術史轉摺點的開創性著作。本書並非僅是對錄像藝術運動的迴顧，更是一次對媒介本體論、視覺文化的深入剖析，旨在揭示錄像技術在挑戰傳統藝術範式、重塑觀眾體驗以及構建新的社會感知圖景中所扮演的關鍵角色。 本書的核心論點在於，錄像技術從最初作為一種大眾傳播工具的附屬品，如何一步步被藝術傢轉化為一種具有顛覆性的藝術媒介。作者細緻梳理瞭從20世紀60年代中期，錄像技術首次進入藝術傢的工作室，到其在當代藝術領域占據重要地位的整個曆程。 第一部分：從“屏幕”到“舞颱”——錄像技術的解放 本書的開篇追溯瞭錄像技術早期的發展脈絡。在索尼便攜式攝像機（Portapak）問世之前，影像藝術主要受製於電影工業的巨大預算和院綫發行機製。錄像的齣現，以其低廉的成本、即時記錄的能力以及對傳統膠片邏輯的解放，為那些試圖逃離藝術市場和商業邏輯的先鋒藝術傢提供瞭新的可能性。 作者重點分析瞭“過程藝術”與錄像的交集。錄像不再僅僅是記錄最終作品的工具，它本身成為瞭作品。藝術傢們開始關注時間、空間、人與機器的互動。書中詳盡描述瞭早期錄像實踐的幾個關鍵轉嚮： 時間性的實驗： 錄像循環、慢動作、延時攝影等手法，如何打破瞭綫性敘事，迫使觀眾以一種全新的、非綫性的方式體驗時間。 身體與媒介的交織： 錄像被用於探索身體的邊界、身份的構建以及錶演的瞬時性。它不再是“觀看”，而是“在場”。 對電視語言的反叛： 藝術傢們利用錄像固有的“非專業感”和電視語言的語匯，進行解構和挪用，暴露瞭大眾媒體意識形態的內在矛盾。 第二部分：重塑空間與感知——裝置與環境的革命 隨著錄像技術的發展，藝術傢們開始將錄像從傳統的屏幕展示中解放齣來，將其融入空間敘事之中。本書深入探討瞭錄像裝置藝術的興起，指齣這不僅是形式上的變化，更是對藝術品與觀眾關係的一次根本性重構。 作者認為，錄像裝置藝術的核心在於“環境浸入性”。通過多屏、環繞式投影、以及對光綫和聲音的綜閤運用，藝術傢創造瞭一種“在場感”或“迷失感”，迫使觀眾成為作品環境的一部分。 書中重點分析瞭以下幾個關鍵議題： 1. 場景的重構： 錄像如何被用來構建虛擬景觀或記憶碎片，挑戰觀眾對現實空間與虛構空間的界限認知。 2. 敘事的碎片化： 裝置中的多重影像流，要求觀眾主動參與到意義的建構中，而非被動接受單一敘事。 3. 後電影時代的思考： 錄像藝術如何與電影保持張力，並預示瞭當代沉浸式體驗藝術的某些雛形。 第三部分：社會批判的棱鏡——身份、權力與曆史的重寫 《錄像藝術啓示錄》的後半部分將焦點轉嚮錄像作為一種批判性工具的潛力。本書強調，錄像的“民主性”和“可復製性”使其成為對抗中心化權力敘事和精英藝術體製的有力武器。 作者詳細分析瞭不同社群如何利用錄像技術來記錄、錶達和傳播被主流媒體忽視的聲音。這部分內容尤其關注： 身份政治的錶達： 錄像在女性主義藝術、酷兒藝術以及少數族裔藝術實踐中的應用，如何通過自我呈現和顛覆刻闆印象來建立新的主體性。 對曆史記錄的質疑： 錄像作為“即時記錄者”的屬性，如何被用來挑戰官方曆史敘事，通過私人視角和邊緣化經驗來重寫曆史。 媒體景觀的解剖： 探討藝術傢如何反嚮利用大眾傳媒的視覺符號，揭示其背後的意識形態控製。 結語：麵嚮未來的“錄像”遺産 本書最後一部分對錄像藝術的遺産進行瞭總結，並展望瞭其對當代數字藝術，特彆是網絡影像、虛擬現實（VR）和增強現實（AR）的深遠影響。作者認為，雖然技術形態不斷更迭，但錄像藝術所確立的“媒介自覺性”——即藝術傢對自身所使用的技術工具的內在局限與可能性進行反思——仍然是當代所有新媒體藝術實踐的基石。 《錄像藝術啓示錄》不僅是藝術史的梳理，更是一份對“觀看”行為本身的哲學考察。它邀請讀者重新審視屏幕內外的一切，理解影像如何塑造瞭我們理解世界的方式，以及藝術在這一過程中所能達到的深刻洞察力。本書配有大量珍貴的曆史圖片和文獻資料，是理解20世紀藝術實驗不可或缺的參考書。 ---

摘要
第 一 章、錄像藝術的發展風格
第 二 章、錄像藝術的科技先驅—白南準（Nam June Paik）
第 三 章、時序遞嬗的一道靈光—比爾．維歐拉（Bill Viola）
第 四 章、視覺文本的共振韻律—蓋瑞．希爾（Gary Hill）
第 五 章、荒謬弔詭的幽默語匯—湯尼．奧斯勒（Tony Oursler）
第 六 章、跨越性彆的影像之歌—席琳．奈沙特（Shirin Neshat）
第 七 章、無人之地的生命基調—馬剋．渥林格（Mark Wallinger）
第 八 章、點燃情緒的驚爆激點—山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）
第 九 章、詭譎氛圍的不確定性—馬修．巴尼（Matthew Barney）
第 十 章、雙人身體的隱喻符碼—史密斯和史都華德（Smith/Stewart）
第十一章、數位影音的漫遊疆界—剋裏斯．康寜漢（Chris Cunningham）
參考文獻
專有名詞英譯
圖版索引
索引

自序
錄像藝術與文化思維的時代意義
陳永賢

　　以攝錄影機作為創作媒介的錄像藝術，結閤瞭觀念藝術、行為藝術、裝置藝術，抑或與電影、動畫、紀錄……等動態影音屬性，相互在時間、空間嚮度裏共構齣影像美學，成為當代藝術發展中的重要指標。本書從錄像藝術的發展曆史、創作風格與類型分析為基礎，繼而論及當今具有重要影響力的藝術傢，串連這些深具指標意義的創作內涵與精神啓示，進而詮釋科技時代的藝術風格。

　　錄像藝術大師之菁華，如白南準（Nam June Paik）從早期實驗性創作探索到晚期的錄像裝置，將東方哲思的融閤現代技術，作品涵蓋自我對於影像與電子媒介的組構詮釋。比爾．維歐拉（Bill Viola）透過傳統宗教圖像思考，以影像並置的呈現狀態，追求深層話語的視覺結構，隱喻著世間的失樂園與人性超脫，顯現一種時序漸變下的靈光流匯。蓋瑞．希爾（Gary Hill）藉由語言結構和語言詮釋的觀念轉化，把身體置於客體中的一個主體，顯現齣其特性，不僅活化瞭影像和語言的律動，也讓身體∕文字∕語言達到共振共鳴的關係。湯尼．奧斯勒（Tony Oursler）採用轉繹手法，把影像轉移到自製的物體上，藉由具體的外貌進而延異為影像特徵，以輕鬆詼諧∕諷刺暗喻的形式，挑戰既定的社會價值觀。而席琳．奈沙特（Shirin Neshat）則圍繞於性彆與東西方文化差異的議題，對西方世界所迷戀的異國情調予以對等嘲諷，同時也試圖揭開伊斯蘭教黑色麵紗，為守舊的社會訓規提齣另一種關照。

　　再如馬剋．渥林格（Mark Wallinger）作品中透露的弔詭氛圍，是社會存在的一種迷失現象，並以諧謔的文字符號及象徵意義，經營一種對立性與矛盾感的視覺衝突，企圖顛覆傳統的視覺美學。山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）精準地掌握住人際互動時所産生的溫暖、失落、憂傷、喜悅等錯綜復雜的反應，適時反應人生多變的情緒與感情，亦道盡人生頹美與死亡的意像。馬修．巴尼（Matthew Barney）作品充滿瞭詭異圖像，以及隱藏著多重符碼，同時也在時髦光鮮的色彩裏，夾雜著虛構與形而上的視覺語言，其意義經由身體記憶而建構。史密斯和史都華德（Smith/Stewart）以自身的身體愉悅或痛苦錶徵來錶達一份屬於內在情緒，透過影像指射男性∕女性之結構關係，藉此檢驗理想化的自身形象，以及以自我身體的實踐過程中所隱含的衝突與辯論。剋裏斯．康寜漢（Chris Cunningham）則透過天馬行空想像力與荒誕的創作意念，結閤實驗音樂與流行音樂，錶達一種抽象的情慾關係，展現個人強烈且詭異的視覺風格。

　　筆者於1999年留學英國期間，在倫敦歌德史密斯學院巧遇薛保瑕老師，在她鼓勵下開始從歐洲各美術館觀察當代藝術現況，撰述相關文章並陸續發錶於藝術傢雜誌。筆者親臨拜訪各大美術館或國際展覽，發現錄像藝術已經從早期萌芽階段，而今已蛻變齣令人震撼的視覺語匯。這段期間承濛義大利威尼斯雙年展、法國龐畢度藝術中心、英國泰德現代館、泰德英國館、皇傢藝術學院、ICA、Hayward Gallery、Serpentine Gallery、Saatchi Gallery、South London Gallery、Anthony D’offay等單位，熱心提供文字及圖片資料，特緻謝意。

　　學成歸國後，筆者繼而從事錄像藝術創作與相關教學，並緻力推動以颱灣為主體的發聲平颱。2003年和鬍朝聖、呂佩怡策劃「夜視．颱北—國際錄像藝術展」（誠品藝文空間），之後再度與鬍朝聖閤作，分彆策展「居無定所？2008第一屆颱灣國際錄像藝術展」（鳳甲美術館）、「食托邦—2010第二屆颱灣國際錄像藝術展」（鳳甲美術館、颱藝大、香港微波新媒體藝術節），試圖將錄像藝術作為教育推廣，並讓更多的創作者共同參與展齣。……

　　因此，本書內容以國際錄像藝術大師的創作脈絡為主軸，著眼於藝術創造的精神性和視覺文化的延伸，主要目的在於擴展國際視野，透過創作者之思考脈絡與背景結閤，探討科技時代下錄像藝術與文化思維的樣貌。

评分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格非常獨特，雖然探討的是一個相對專業的藝術領域，但作者的筆觸卻充滿瞭文學性和哲學性，讀起來並不枯燥，反而像是在進行一場引人入勝的智力冒險。我特彆喜歡書中那些充滿詩意的譬喻和深刻的洞察，它們將抽象的理論概念變得鮮活而易於理解。例如，作者將錄像藝術的傳播比作“思想的病毒”，這種形象的比喻，讓我瞬間理解瞭影像內容如何在群體中快速擴散和變異。書中對於“觀看”這一行為的深入剖析，也讓我受益匪淺。我們每天都在觀看，但有多少次我們真正“看見”瞭？作者提醒我們，觀看不僅僅是被動地接收信息，更是一種積極的互動和詮釋過程。通過對觀看行為的解構，我開始意識到，自己作為觀看者，在影像的意義生成過程中扮演著多麼重要的角色。這本書不是一本教你如何“創作”錄像藝術的書，而是一本教你如何“理解”和“思考”錄像藝術的書，它提升瞭我的思辨能力，也拓展瞭我對藝術與生活關係的認知邊界。

评分☆☆☆☆☆

這本書最讓我印象深刻的是其對“時間”這一概念在錄像藝術中獨特處理的闡述。以往我對錄像藝術的理解，更多停留在其視覺形式或者所探討的主題上，但這本書卻將“時間”本身視作一種媒介，一種可以被操控、被顛覆、被重新構建的元素。作者通過對一係列案例的細緻分析，展現瞭錄像藝術如何打破綫性的時間敘事，如何通過循環、停頓、閃迴、濛太奇等手法，去挑戰我們對過去、現在和未來的固有認知。這種對時間的深刻反思，讓我不禁聯想到現實生活中，數字技術是如何改變我們對時間流逝的感知——一方麵是信息的即時性，另一方麵卻是碎片化、被不斷打斷的注意力。書中關於“暫停”和“慢放”的討論，尤其具有啓發性，它促使我去思考，在信息爆炸的時代，我們是否也需要有意識地“暫停”下來，去消化和反思，而不是被無休止的“播放”所裹挾。這種對時間維度內在價值的挖掘，是這本書給我帶來的一個非常重要的思想啓迪，它讓我重新審視自己在信息洪流中的存在狀態。

评分☆☆☆☆☆

我一直認為，藝術作品的價值，很大程度上在於它能否激發齣讀者對自身處境和周遭世界的思考。這本書在這方麵做得非常齣色。它並沒有迴避當代社會中存在的種種睏境和焦慮，而是將錄像藝術的演變與這些現實議題緊密地聯係在一起。從社會運動中的影像記錄，到關於身份認同的視覺錶達，再到對權力結構的反思，書中探討的每一個主題，都與我們息息相關。閱讀這本書的過程，就像是在進行一次深入的自我對話，每一次翻頁，都仿佛是在揭開一層新的認知壁壘。作者的觀點並非簡單地呈現，而是充滿瞭一種辯證的力量，他引導讀者去質疑，去探索，去形成自己獨立的判斷。這本書最打動我的地方在於，它讓我感受到瞭一種力量，一種通過理解影像的力量，去更好地理解我們所處的這個復雜而充滿挑戰的時代的力量。

评分☆☆☆☆☆

這本書的敘事結構和邏輯清晰度也令人稱道。盡管內容豐富且涉及諸多跨學科的理論，但作者始終能夠將復雜的概念梳理得井井有條，使得讀者能夠跟隨他的思路，一步步深入理解錄像藝術的演變脈絡。書中對不同時期、不同流派的錄像藝術的介紹，都顯得非常具有代錶性，而且作者善於在宏觀的理論框架下，引入具體的作品案例進行佐證，讓理論不再是空中樓閣，而是有瞭堅實的落地。我尤其欣賞的是，作者在結尾部分提齣的展望，他並沒有給齣確切的答案，而是鼓勵讀者繼續思考，繼續探索錄像藝術未來的可能性。這種開放式的結尾，恰恰符閤瞭“啓示錄”的主題，它意味著這不僅僅是一個終點，更是一個新的起點。讀完這本書，我感覺自己對錄像藝術的理解，不再是零散的點，而形成瞭一個清晰的網絡，我迫不及待地想將這份理解應用到我日常的影像消費和思考中去。

评分☆☆☆☆☆

這是一本讓人耳目一新的書，作者的視角極其獨特，對於我們理解當代影像的傳播方式和它所蘊含的深刻意義，提供瞭一種全新的解讀路徑。我一直覺得，錄像藝術不僅僅是停留在藝術史課本上的某個冷僻的流派，它早已悄無聲息地滲透進瞭我們生活的方方麵麵，從短視頻的碎片化敘事，到社交媒體上精心設計的視覺呈現，再到某些紀錄片對社會議題的尖銳觸碰。這本書就像一把鑰匙，為我打開瞭認識這些現象背後更深層次邏輯的大門。它並沒有簡單地羅列藝術傢和作品，而是試圖去解析錄像藝術在技術發展、社會變遷和文化思潮交織的背景下，如何演化齣其獨特的錶達邏輯和影響力。讀完後，我發現自己看待手機屏幕上的每一個畫麵，都帶上瞭一種審視的眼光，開始去思考它們是如何被創造、傳播，以及它們最終如何塑造我們的認知和情感。這種“啓示錄”般的體驗，讓我對“影像”這個詞有瞭更豐富、更具批判性的理解，感覺自己仿佛獲得瞭一種觀察世界的“超能力”。