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這是一部獻給死亡的交響曲，將銘心之悲、亙古之怨融入音符；
這是一首謳歌生命的進行曲，將文壇軼事、哲學思考、音樂感悟，化為旋律；
這是一段悲傷的情歌，唱給所有的失意者，失戀的讀者；
這是一闋輕柔的小夜曲，給聽眾帶來溫暖、安慰與希望。

作者簡介

李煒

　　芝加哥大學畢業，以前長住美國，現居台灣。已出版作品《書中書》等。特別欣賞法國畫家巴爾蒂斯的一句話：「既然諸君對鄙人一無所知，那就看我作品好了。」

譯者簡介

李小均

　　四川人，復旦大學文學博士。著有《自由與反諷》、《傅雷：那遠逝的雷火靈魂》，譯有《在美國》、《天網的墜落》、《找到夢想》、《角鬥士》、《尼采的使命》等作品，參編《古典詩文繹讀》。論文隨筆散見《讀書》、《博覽群書》、《國外文學》、《中國比較文學》等刊物。

自序
序曲
句號（a小調）
下行（C調）
職責（D調）
演戲（F大七和絃）
情歌（a小調）
憂鬱（C調）
魔力（E調）
奇蹟（E調）
銷聲（a小調）
歸零（C調）
舞伴（D調）
配樂（F大七和絃）
迷醉（a小調）
悲劇（E調）
伴奏（a小調）
命運（E調）
退後（a小調）
哭笑（C調）
終曲

悲劇（E調）

儘管起源於神話，但這首歌已經相當為人熟悉，因為它經常出現。我想將之稱為狄奧尼索斯之歌，雖然它已經有了許多名字，在情歌、恰空、以及一切具有魔力和黑暗之聲的音樂中，都能找到它的私語和回聲；雖然它存在於任何用憂傷作為主調的音樂中，無論是布魯斯歌曲、爵士樂、古典還是搖滾。這些憂傷的聲音不過是同一首歌的不同版本而已，同一首歌的變奏，哼著莫名的情懷，意識到世間萬物不過是轉瞬煙雲。

狄奧尼索斯之歌。
最先用狄奧尼索斯來對抗阿波羅的是尼采。他認為，任何作品要配得上藝術之名，必須從這兩種源泉汲取靈感：代表情欲自然流露的狄奧尼索斯；象徵紀律和理性的阿波羅。他們一直在爭奪藝術的主導權。兩者之間的戰鬥是一場永恆的拔河比賽：情感對邏輯、混沌對秩序、沉醉對清醒、瘋狂對理性。

無論這二元對立的劃分有多麼牽強（眾所周知，希臘的諸神比人還自相矛盾，反覆無常），但在尼采的《悲劇的誕生》中卻是必不可少的主題。

在這本處女作中，尼采標新立異地提出，古希臘悲劇是將阿波羅精神和狄奧尼索斯精神強力結合的完美典範，達成了動態的平衡，雙方勢均力敵。他認為，一方面是歌隊的「狂歡」歌舞，另一方面是演員的「理性」言行，雙方的角力，碰撞出創造的火花四濺，使得索福克勒斯（Sophocles）和埃斯庫羅斯（Aeschylus）等戲劇家的悲劇成為古代文明的頂峰。

與現代戲劇不同的是，古希臘悲劇中音樂地位突出，角色舉足輕重。尼采認為，音樂在古希臘悲劇中幫助觀眾迅速投入劇情，跟劇情融合一體，跟舞臺上展開的悲傷情節密不可分。正是鑒於音樂在古典悲劇裡的中心地位，尼采最初才想將書名定為《悲劇誕生於音樂精神》。

不論尼采的術語是多麼的出名，他的基本想法其實可以用更簡單的說法來概括。古希臘悲劇正是智性（詩歌）、身體（舞蹈）和情感（戲劇）的強大結合，而音樂是將這三者結合在一起的紐帶：音樂伴隨著詩歌，穿插於戲劇，驅動起舞蹈。因此，這樣的悲劇是一種強烈的體驗，它吸引住了觀眾的心智，打動他們的心扉，同時還展現出人體的魅力。

值得思考的是，為什麼尼采會覺得真正的藝術非得結合他所提出的那兩種精神。為什麼他不認為可以只用一種精神來創造出一部更「純粹」的藝術作品？

尼采會這樣回答，我們既需要有狄奧尼索斯，也需要有阿波羅，因為我們是人，太有人性。沒有了低俗（酒神）精神調和，高雅（太陽神）精神總是遙不可及、可感。這種只有知性而無感性的藝術絕對不會讓我們迷醉，不會讓我們感同身受，不會與之融合並在其中迷失自我。借用洛爾加的說法（這說法本身就深受尼采的影響），這樣的藝術完全沒有魔力。

反之，沒有了高雅精神調和的低俗精神，只會迎合我們原始的慾望。缺乏秩序、清晰和邏輯，這樣的藝術必然是癲狂、混沌，感情泛濫，慾望肆虐。

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